Трудно поддается осмыслению тот факт,что за тысячелетия люди,пройдя по кругу все что можно и нельзя так ни фига и не стали понимать. За сотню лет в техническом прогрессе человечество шагнуло буквально от сохи до космической станции. Почему люди смогли придумать мобильный телефон и сотовую связь,интернет сделать достоянием любого колхозника или одинокого собирателя кореньев,но не помнят вчерашних событий и не могут сделать правильные выводы,а скочут как козлы у которых виртуально удалили мозжечок,если он вообще был... Смешно видеть и слышать страстные дебаты о очевидных,элементарных вещах. Тысячи лет, в плане развитии этого ума у человека, прошли мимо и никакая эволюция не сработала... Даже у клопов и то возникают определенные инстинкты,приобретенные в процессе эволюции и это помогает им выжить и бесконечно кусать нас не только в мягкое место, в отелях плохого разряда. Не стоит упоминать вездесущих тараканов или крыс,которых время сделало почти совершенными в процессах жизни обеспечения и коммуникации друг с дружкой. А вот, на вид ,умные человечки так и не могут прокнокать как жить и что делать. Историю уже замусолили до дыр, перевернули и отымели как угодно и многократно,что даже камасутра и то мурзилкой выглядит с перепугу. Все давно уже известно заранее и не нужно быть гадалкой чтобы понять к чему что приведет... Хотя ... кто-то ломиться к облезлым шарлатанам узнавать свое будущее результатов приворота или отворота,ха,ха. Вот и не ясно,как с одной стороны можно совершить такой рывок в научно техническом прогрессе,обустраивать cтоль роскошную современную жизнь и оставаться крайне далекими от понимания незамысловатых событий что фонтанируют вокруг. Мы рождаемся "безмозглыми" и умираем не далеко ушедшими,так получается... Открою страшную загадочную тайну мироздания-мозги у всех почти одинаковы и только по разному развиты. Стоит заняться снабжением их программным обеспечением (лицензионным) и усовершенствовать его-мозг. Тогда не будет нужды выглядеть и поступать как недоумкам,правильная работа мозга сама все выстроит в сознании и ментальности,не даст возможности быть куклой,марионеткой в руках подонков. И так каждое поколение рождается и впитывает все что попадется и уходит в небытие,а новые опять идут своим путем. Это не возможно исправить...за тысячелетия так и не в темяшилось, в наши пустые головы, как жить правильно и дать шанс следующим поколениям жить лучше,а не загадить нашу прекрасную планету или и вовсе загубить на ней жизнь.
Последний раз редактировалось SLAVACOKOLOV 04 янв 2015, 11:37, всего редактировалось 1 раз.
Пора вернуться в к моей скромной персоне и Ялте 60-х. Мои первые поездки в Ялту с родителями. Мой папа,в то время, был капитаном второго ранга,а мама модной красивой молодой барышней. Жили они в ту пору совсем не далеко от Ялты и каждые майские, ноябрьские праздничные дни-не надолго уезжали в этот чудесный город. Ялта была нейтральная территория, не было знакомых, бдительно блюдущих общественно уполномоченных сплетников, завистников. И хотя наше скромное пребывание там сейчас может только вызвать непонимание и ухмылку, тогда рассматривалось сквозь телескопы, микроскопы и фиксировалось в воспаленных умах тоскующих обывателей,а затем из черных ртов выносилось как цунами. Мой отец был начальник, красивый и статный мужчина, правда доброжелательный и воспитанный, тем не менее не водил дружбу с кем попало и это его удаляло от "народа". Моя мама была молодой студенткой заочницей художественного ВУЗА и очень специфической красавицей,со своеобразными взглядами и воззрениями. Она была романтическая личность, которой было тесно в небольшом местечке окруженной посредственными личностями, она была горда и независима, это- то и сильно не нравилось многим, осложняло отношения. Мужчины ей, в одностороннем порядке, симпатизировали, а женщины по большей части не переваривали. У нее была непонятная подруга -молодая девушка, тоже красивая и немного сдвинутая, как считали местные жители. Мама с ней гуляла у моря и они о чем-то там мечтали, бродили вызывая повышенное внимание окружающих. Ну "деревня" и есть деревня... Поездки в Ялту и были той отдушиной от серой мещанской житухи, вечных наблюдателей и кляузников. Жили мы обычно в гостинице которая называлась "Приморская". А мне почему- то казалось что звали ее "Кавказ" и поэтому я не мог найти ничего о ней, а было интересно. Это было трехэтажное этажное здание в старом стиле, с высокими потолками, массивными лестницами, темными коридорами и большими балконами. Номера в которых мы жили были довольно большими. Располагалась она, как мне помнится, где-то на перекрестке ул.Свердлова и Дражинского, потом там был гастроном и после по сей день стоит современный симпатичный высотный дом (Yalta Near The Sea Apartment ). Я пытался что-то найти об этом отеле и даже писал на сайты об истории Ялты, но увы... И лишь когда я разыскал фото с правильным названием я нашел и рассказ о ней, а будет он дальше. Почему мне в голову втемяшилось название "Кавказ"-не ясно, такое название вроде было ранее или внизу, на первом этаже, был ресторан с этим названием. В который мы захаживали, периодически. Отель был в пяти минутах ходьбы от Массандровского пляжа, до Морвокзала, где можно было приобрести путевку в круиз, вот оттуда у меня и возникало пристрастие к морским путешествиям. Главное в Ялте это ее милая, для приезжего, атмосфера курорта. Шикарную набережную венчали диковинные для нас пальмы, приятные парки, милые рестораны и кафе,все это было глотком свежего воздуха после душной местечковой атмосферы места нашего проживания, где отец с утра до вечера пропадал на производстве, мать училась, хлопотала по хозяйству, а я болтался черт знает прибавляя матери забот по стирке и ремонту моей одежды. Вот Ялта была уже совсем другая планета, где можно было наслаждаться праздничными деньками и не думать ни о чем. Можно было покататься на кораблике и поглазеть на роскошные берега Большой Ялты, замчать в Никитский ботсад и побродить среди дивных заморских растений, бамбуковых рощ, осенью отведать хурму прямо с дерева, вкуснейший инжир, щящьлик ... Кругом было полно красивейших дворцов, все было просто супер. Мне невероятно нравилось пить сладкую газировку, за 3 копейки, в автоматах на набережной. Эти автоматы были часто красного цвета, округлых форм и теперь похожие тоже появляются в некоторых торговых центрах Москвы. Но самым любимым, даже больше чем поход с папой в ресторан, у меня был Центральный ялтинский гастроном, о котором речь шла ранее. В конце гастронома, где незадолго до его закрытия продавался хлеб, было место которое невозможно забыть и по сей день. Там стоял большой белый медведь, скорее всего из гипса, держа в лапе мороженное эскимо, да то самое за 11 копеек и внешне похожее на то что делают сейчас, в серебристой фольге на обязательной палочке. Да, это место было наверное самым притягательным для нас с мамой, во всяком случае для меня так уж точно! Там продавались торты и пирожные из мороженного и не такие синтетические, как сейчас, а натуральные, свежейшие и вкуснейшие. Причем сверху они были украшены красивыми цветочками и прочей дребеденью из натурального крема. Они были и большие и средних размеров и компактные - на все вкусы. Мы обычно покупали по эскимо в дорогу до дома (гостиницы) и приличных размеров тортик, который мы уминали с мамашкой вдвоем крайне быстро, папа как правило в этом не участвовал, а лишь смотрел на нас с удивлением и восхищением, как это мы быстро с ним разделывались и пора было уже покупать новый. Пальмы остались, набережная стала еще краше, а вот этого гастронома и таких тортов с пирожными уже давно нет, да и нашей гостиницы след простыл. Ездили на Ласточкино гнездо, на Ай Петри, но все это я уже слабо помню. Вот только ЦГ с мороженными тортами врезался в память. Эта привычка обжираться мороженым еще долго сохранялась у нас с мамой. Мне кажется мы хорошо проводили время и родители прекрасно отдыхали от своих повседневных забот, но не от моего нудежа. Мама получала возможность вырваться из квартиры и домашних хлопот, разнообразить свой досуг еще молодой и красивой девушки. Как бы хотелось хоть на денек вернуться в то время и увидеть со стороны своих родителей, себя дурашлепа, съесть с моей красивой мамочкой тот вкусный тортик. Цены я не помню, у меня не было денег и был я на полном обеспечении родителей. Очевидно все было не дорого, но только вот и зарплаты у большинства не были большими, хотя мой отец получал вполне достаточно для нормальной жизни.
Они тоже любили мороженное и газировку
У вас нет необходимых прав для просмотра вложений в этом сообщении.
Поздравляю Ялту с Новым годом и пожелаю ей процветания ! Вечного лета и чистого солнечного неба,счастья и радости жителям,а их городу вечной молодости! А нам, почаще туда приезжать и получать побольше удовольствия и комфорта.
По телеку показали музыкальный фильм "Небесные ласточки",где мелькала эта уже не существующая гостиница,правда в образе театра,в которой мы и жили с родителями в Ялте 60-ых. С ней, помимо нашего тихого проживания, связаны еще более интересные события.
Первой на пути из Симферополя приезжающих в Ялту встречала гостиница «Эдинбург». Позднее она получила название «Гранд-Отель», а в советские годы стала «Приморской».
"Эдинбург" - первая крупная ялтинская гостиница. После приобретения в 1860-м году Удельным Ведомством для императора Александра II имения Ливадия Ялта быстро становится модным курортом. Многие видные сановники приобретают здесь участки земли. Город стремительно застраивается прекрасными дачами, имениями, дворцами. Те же, у кого не хватало денег на строительство собственного дома на ЮБК, старались приезжать сюда хотя бы на отдых. В конце 1860-х годов небольшой участок на Слободке в Старом городе приобрел шталмейстер Высочайшего Двора действительный статский советник Антонин Дмитриевич Княжевич. Участок был невелик, всего 326 квадратных саженей. Расположенный на небольшом склоне Поликуровского холма на углу Почтовой и Массандровской улиц, он находился рядом с почтовой станцией и конторой. А поскольку во время Крымской войны 1854-55 гг. А.Д. Княжевич занимал должность полевого почтдиректора и имел самое непосредственное отношение к сети почтовых станций Крыма, в том числе и ЮБК, становится понятным выбор места для приобретения участка. В то время там находился развалившийся одноэтажный дом. А.Д. Княжевич отремонтировал его и на лето приезжал сюда с семьей или сдавал внаем.
5 мая 1872 года Княжевич направил в Ялтинскую городскую Думу прошение, в котором говорилось о намерении построить на принадлежащем ему участке трехэтажное здание с подсобными помещениями, а также содержалась просьба утвердить план постройки фасада и поэтажные планы будущего здания. План был составлен землемером Лукашевым по заданию архитектора Гончарова 2 октября 1871 года. Автором проекта стал известный одесский архитектор Феликс Викентьевич Гонсиоровский. Выбор архитектора также был, по-видимому, не случаен. А.Д. Княжевич имел самые тесные связи с Одессой, где еще его отец служил попечителем учебного округа. А Гонсиоровский в это время считался самым модным одесским архитектором, творениями которого город был буквально наводнен.
9 июня 1872 года Ялтинская городская управа рассмотрела прошение действительного статского советника А.Д. Княжевича, план участка, общий и поэтажный планы будущего трехэтажного здания, а также план фасада. Управа утвердила эти документы, поскольку они «не находятся в отступлении от Высочайше утвержденного 15 октября 1843 года плана г. Ялта», а также так как план дома был составлен «на основании ст. 114 Городского положения» архитектором Гончаровым «в техническом отношении правильно». При этом в решении управы отмечалось, чтобы «означенные постройки производились под наблюдением ответственного лица, имеющего на то законное право», и чтобы «указанный порядок внутреннего устройства печей, отделка комнат, каминов и других предметов были в точности соблюдены согласно ст. 341 - 364 «Устава строительства Российской империи». Подписал документ секретарь ялтинской городской управы Кожурин.
Строительство здания было начато 1 июня 1873 года «раскопкой земли под фундамент». Всего через год, в июне 1874 года, в этом здании уже была открыта гостиница, получившая название в честь герцога Эдинбургского. Это было трехэтажное здание с большими красивыми балконами. В то время в гостинице было 65 номеров, имелись ресторан, читальня, ванны, играло пианино. Цены менялись в зависимости от сезона: летом – от 1 до 7 руб., зимой от 75 коп. до 3 руб. Полный пансион стоил 60 руб.
После строительства гостиницы «Россия» «Эдинбургская» считалась второй в городе по числу номеров и качеству удобств. «В этой гостинице, конечно, многим уступающей «России», тоже недурно», - сообщали путеводители того времени. Отсутствие собственного двора, что весьма высоко ценилось в гостиницах, восполняли балконы, выходившие на улицу, и хороший вид на окрестности. «Всего смешнее, что и здесь, как и в остальных гостиницах, взимают по 20 к. за рюмочку водки и по 10 к. за крошку хлеба с кусочком селедки», - сообщал один из путешественников, остановившийся в «Эдинбургской».
К сожалению, всего через пять лет, в июле 1879 года, Антонин Дмитриевич Княевич скончался. С 1882 года его наследники передали гостиницу в аренду Г. Каубишу и Ганнеману (арендовавшим также гостиницу «Россия» - нынешняя «Таврида»). В то время в Ялте многие гостиницы либо вообще поменяли хозяев, либо были сданы в долгосрочную аренду. Объяснялось это плохими курортными сезонами конца 1870-х годов, когда из-за русско-турецкой войны в Ялту практически не приезжали отдыхающие и владельцы гостиниц несли ощутимый урон. Арендаторы гостиницу отделали заново, увеличили количество номеров до 70 и переименовали в «Кавказ», о чем свидетельствует в своем путеводителе «Ялта и ее окрестности» В. Вебер. «Номера хорошо меблированы и весьма уютны», - пишет он.
В конце века наследники Княжевича продали гостиницу купцу А.С. Бучумову, который ее перестроил и снова переименовал, на этот раз в «Гранд-Отель». В путеводителе Н. Лупандиной 1897 года она уже числится под этим названием.
Гостиница имела собственный телефонный номер N 78. Телефон входил в «правительственную телефонную сеть», абонплата за него составляла 75 рублей в год за пользование в черте города, за чертой прибавлялось еще 15 рублей. Телефон действовал круглосуточно.
Впрочем, купец А.С. Бучумов тоже владел гостиницей не так долго. Уже в 1898 году она принадлежит некоему господину Тиху и в 1901 году снова перестраивается. Эта перестройка, по-видимому, была довольно серьезной, так как количество номеров в гостинице уменьшилось чуть ли не в половину, до 45, о чем не преминули сообщить газеты: «15 июля 1901 года после капитального ремонта и перестройки открыта гостиница «Гранд-отель» на 45 номеров».
С 1912 года у отеля опять новый собственник - купец Берк Перцович Окунев. Он как будто ничего не менял в гостинице, только сделал небольшой ремонт, как бы сказали сегодня – косметический, а также обставил ее новой мебелью. Однако долго удержаться от перестроек не смог, и через пять лет, 21 июля 1917 года газета «Ялтинский голос» сообщила о том, что «владельцем Б.П. Окуневым открыта вновь отремонтированная гостиница «Гранд-отель».
Несмотря на частую смену владельцев и многочисленные ремонты и перестройки, гостиница была весьма популярна, в первую очередь, добротностью постройки в сочетании с воздушной легкостью резных деревянных балконов. Даже на фоне других солидных зданий, возведенных в городе в то время, она выделялась толщиной стен и какой-то купеческой солидностью. Кроме того, находясь рядом с почтово-мальпостной станцией, отель первым среди ялтинских гостиниц встречал приезжающих в город путешественников. В путеводителях того времени гостиница так и рекламировалась: «Первая про пути из Симферополя».Осенью 1890 года здесь на один день останавливалась Леся Украинка. В этой же гостинице жил в 1912 году «святой старец» Григорий Распутин. Августейшая семья находилась тогда в Ливадии, и Распутин был вызван в Ялту. Поскольку в начале 1900-х гг., по воспоминаниям современников, держал он себя сравнительно в тени, то останавливался в отеле под чужим именем. В паспорте значилась фамилия «Никонов». Однако, возможно, опасался местного градоначальника, генерал-майора А.И. Думбадзе. А может быть, предчувствовал, что в Ялте на него планируется совершить покушение, даже два. Убить Распутина должна была некая Хиония Гусева. Благословил ее на этот небогоугодный поступок один из известных российских представителей духовенства отец Илиодор, имевший серьезные распри с Распутиным. В Ялту Гусева ехала на пароходе, где познакомилась с женщиной «из баптисток, желавшей получить место в Ялте». Вместе с ней Хиония отправилась в редакцию местной газеты «Ялта» «справляться, не проживает ли еще в г. Ялте Григорий Распутин и куда он мог отсюда уехать». Она несколько недель выслеживала Распутина, носила, не снимая, под юбкой кинжал с ножнами, но покушение совершить так и не смогла. Параллельно планировал свою попытку устранения Распутина и сам ялтинский градоначальник генерал-майор И.А. Думбадзе. Деятельность «старца», как считал Думбадзе, компрометировала Царскую Семью. Когда Государь отдыхал в Ливадии, Думбадзе лично докладывал ему "о недовольстве населения Ялты деятельностью Распутина", на что получил от Императора указание не вмешиваться в дела, касающиеся только его семьи. Но, видимо желая "спасти" Государя от "влияния Распутина" помимо его воли, "простодушный Думбадзе", как сообщил в своих показаниях Чрезвычайной следственной комиссии Временного правительства бывший товарищ министра внутренних дел С.П.Белецкий, прислал в МВД телеграмму, в которой испрашивал разрешения "избавиться от Распутина во время переезда на катере из Севастополя в Ялту", когда тот прибудет к Государю в Крым. Телеграмма попала в руки министра МВД Николая Алексеевича Маклакова, который взялся лично "уладить это дело". Думбадзе хотел привезти Распутина в замок «Ласточкино гнездо» под предлогом осмотра достопримечательностей и сбросить его со скалы в море. Свидетельство Белецкого подтверждается мемуарами генерала М. Д. Бонч-Бруевича, брата известного большевика: «По словам контрразведчиков, одно время, когда ждали приезда Распутина вместе с царской семьей в Ливадию, на него замыслил довольно фантастическое покушение ялтинский градоначальник Думбадзе. Широко известный черносотенец и погромщик предполагал сбросить Распутина со скалы, находившейся неподалеку от Ялты, или убить его, инсценировав нападение „разбойников“. Однако и у Думбадзе ничего из покушения не вышло. Но в июле 1912 года он был неожиданно уволен от должности ялтинского градоначальника с определением в распоряжение военного министра. Скорее всего, временная опала генерала была связана как раз с предложением им своих услуг по устранению Распутина. В декабре 1912 года Думбадзе был зачислен в Свиту Его Императорского Величества, а затем, по личному желанию Государя его вновь возвратили в Ялту на прежнюю должность. Лишь через два года покушение на Распутина удалось. В его родном селе Покровском все та же Гусева сумела ударить «старца» ножом в живот, когда он доставал милостыню из кошелька. Рана оказалась настолько опасной, что врачи считали, что «святой» старец чудом выжил. - Я ещё раньше пыталась убить его, но это мне не удалось. В Ялте я не могла добраться до него, его скрывали светские поклонницы, - сказала на полицейском дознании Гусева. Кстати, существует еще одно предположение, почему Распутин останавливался в «Гранд-отеле» под чужой фамилией. Как вспоминает приемный сын А.И. Думбадзе С.В. Марков, однажды «генерал приказал в 24 часа выслать из Ялты приехавшего туда Распутина. Несмотря на вмешательство дворцового коменданта, Распутин был посажен в автомобиль и ровно через 24 часа покинул пределы не только Ялты, но и ее уезда. Если Распутин и бывал впоследствии редко в Ялте по нескольку дней, то только благодаря своему поклоннику, исправнику Гвоздевичу, обставлявшему его приезд строжайшей тайной от моего отчима. Их Величества об этом знали, и Государь даже осведомился об этом у него самого, на что получил ответ, что он не считает возможным допустить Распутина в Ялту по своим личным соображениям охраны, а также и просто потому, что он его не любит».
После революции, в годы НЭПа, согласно новым правилам, бывший владелец Б. П. Окунев взял принадлежавшую ему ранее гостиницу в аренду, и она продолжала работать под прежним названием «Гранд- Отель» до середины 1920-х годов, потом была национализирована и перешла во владение горкомхоза. В таком статусе и под таким названием «Гранд- Отель» проработал до начала Великой Отечественной войны.
После войны в этом здании располагался госпиталь, а с 1948 года, после ремонта, здесь размещают санаторий министерства тяжелого машиностроения СССР, присоединив к его территории бывшую почтовую контору, поскольку там находились гараж и подсобные службы. В 1955 году здание вновь заняли под гостиницу, получившую новое название - «Приморская». На 2-м и 3-м этажах ее находились номера, а на первом – ресторан «Кавказ».
В советские годы, как и до революции, гостиница была очень популярна. Она находилась рядом с Массандровским пляжем, номера стоили недорого, от 1,5 до 3 рублей вне зависимости от сезона. В гостинице было всего несколько одно- и двухместных номеров, большинство же – четырехместные. И хотя удобств в них не было (туалет, умывальник и душ на этаже), близость к морю и центру города, прекрасные открытые террасные балконы добавляли гостинице известности.
Помимо гостиничных номеров в здании также располагались некоторые городские организации. Например, в 1928 году сюда переехал городской архив. А в 1960-е годы на месте подсобных служб и гаража были выстроены девять павильонов, в каждом из которых могли жить до 10 человек. Стоимость проживания здесь составляла от 60 до 90 коп. в сутки.
Здание гостиницы «Приморская» стало полноправным «действующим лицом» первого советского мюзикла «Небесные ласточки» (1976г.) с участием Андрея Миронова, Александра Ширвиндта, Людмилы Гурченко, Ии Нинидзе, очень украсив собою картину.
1979-м году гостиница, к сожалению, была снесена из-за активных оползневых процессов, проходивших под ней. Все здание пошло трещинами. На этом месте был разбит небольшой сквер и построен продовольственный магазин, а в начале нынешнего века возведены жилые апартаменты «Эдинбург-Тауэр».
Такова история одной из первых ялтинских гостиниц, «Эдинбурга», просуществовавшей 100 лет.
У вас нет необходимых прав для просмотра вложений в этом сообщении.
В CCCP той поры было немало песен и звучали они из радио точек,ну телеки еще были не у всех и качество изображения было никуда не годное,особенно в удаленных местах. У кого-то были радио приемники или проигрователи с пластинками. Песни старались писать с идеологической направленностью,ну то есть чтоб строить и жить помогали. В общем это было и правильно,стояли задачи и их нужно было решать,но делать это мог успешно только подкованный, идеологически, человек. По прошествии лет, я полностью согласен что искусство должно нести в массы разум,идеи,ценности,а не разлагать и сеять бредятину. Но все же, все мы люди человеки и хочим чуток тепла,радости, тупого лоховского счастья,т.е. пафос и патетика заборного лозунга иногда должны уступать букетику фиялок,приветливому взгляду прохожего,нежному поцелую. И в 60-ые этому уже пришло время. Стали появляться песни о просто так,а не о построении коммунизма или героическом труде советского народа. Оттепель это весна,а весна это когда все расцветает и покрывается зеленью, лютиками цветочками. Вот и появилась незамысловатая песня которая мне до сих пор очень нравится и несет тепло и радость. Песня «Ландыши» появилась благодаря стараниям двух необычайно одарённых людей: поэтессы Ольги Яковлевны Фадеевой (Кляйнер) и композитора Оскара Борисовича Фельцмана еще в далёком 1955 году. Всего через полгода газеты стали публиковать разгромные статьи, приписывая автору и пошлость, и низкопробность, и обвинили даже в подрывании устоев советской власти. И с этим бременем «образца безвкусицы» композитору пришлось жить более 20 лет!
А вот и текст этой песни: Ты сегодня мне принёс Не букет из пышных роз, Не тюльпаны и не лилии. Протянул мне робко ты Очень скромные цветы, Но они такие милые.
Припев: Ландыши, ландыши — Светлого мая привет. Ландыши, ландыши — Белый букет.
Пусть неярок их наряд, Но так нежен аромат; В них весны очарование. Словно песенка без слов, Словно первая любовь, Словно первое признание.
Припев.
Я не верю, что года Гасят чувства иногда. У меня другое мнение: Верю, будешь каждый год, Пусть хоть много лет пройдёт, Ты дарить мне в дни весенние.
Припев.
Примечательна ещё одна история, рассказанная космонавтом Павлом Романовичем Поповичем:
"В день старта Сергей Павлович Королев попросил меня быть на связи с Гагариным. За пять минут до команды «протяжка один» пульс и артериальное давление космонавта пришли в норму. Гагарин попросил меня дать в трансляцию музыку. Я спросил: «Юра, дать „Ландыши"?» Он засмеялся, в ЦУПе тоже рассмеялись, весело стало всем, кто знал, как мы переделали эту популярную песню. В нашей редакции один из куплетов звучал так: Ты сегодня мне принес Не букет из алых роз, А бутылочку «Столичную». Заберемся в камыши, Надеремся от души. И зачем нам эти «ландыши»?
В эфир мы дали правильные слова…"
На мой взгляд чудесная песня,которая точно отражала общее настроение людей той эпохи. Они были рады, зачастую, абсолютно простым вещам и нежный букетик мог олицетворять их чуства, нормальных людей, в целом здорового общества. Милый текст,приятная слуху мелодия сразу западающая в душу. Я не понимаю в чем тут пошлость, скорее это неофициальный гимн весне,пробуждению радости жизни,забвению жестокости военных лет. По моему те кто писал всякие гадости о этой песне были просто олухами царя небесного. Она, как раз, несла большое нравственное и идеологическое значение показывая людям истинную ценность простого человеческого общения,принесенной радости. А это важно для создания правильной ментальности и человеческого качества не одуревшего потребителя чужих ценностей,коими мы так не богаты сейчас. Люди исповедующие такую философию не будут подобны лоснящимся свиноподобным поглотителям типа "дамы" с Молочного переулка. Чистота нравов и скромная простота-это вовсе не ущерб. Ущерб это скорее хамское, алчное насыщение материальными "благами", сверх всякой нормы, как цель жизни. Ну чем же еще могут ее занять эти существа?
Спойте ее вместе с :
У вас нет необходимых прав для просмотра вложений в этом сообщении.
Последний раз редактировалось SLAVACOKOLOV 08 янв 2015, 17:50, всего редактировалось 1 раз.
А в Ялте в те годы была наверное, самая модная, "тематическая" мелодия о синем море прилетевшая из далекой,загадочной Японии. Речь идёт о песне Хироси Мигаявы (музыка) и Токико Иватани (слова) под названием "Koi-no Bakansu" ( "Vacation of Love", "Каникулы Любви"), которая вышла в 1963 году. Уже в 1964-м ее выпускает у нас фирма "Мелодия" на одном из сборников "Музыкальный Калейдоскоп". Песня быстро стала в СССР очень популярной - настолько, что доходило до казусов. Рассказывают, что как-то к нам прилетела делегация матерей Японии. Наши решили не ударить в грязь лицом, и перед японками выступил хор 10-летних девочек, которые тоненькими голосами пропели "Koi-no Bakansu" на языке Басё и Акутагавы. Однако, вместо того, чтобы умилиться, японские матери впали в настоящий ступор. Ведь в отличие от наших детей и их руководителей текст они понимали. А он был следующего содержания:
"Тамэики-но дэру ё на..."
Твоего поцелуя достаточно, Чтобы заставить меня вздыхать. Сердце девичье Сладко грезит о любви.
Собирая загорелые улыбки, Мы прошептали обещанье. Это тайна между нами двоими. Вздох срывается с моих губ… Ах, радость любви В розовых днях. Первый раз, когда увидела тебя… Каникулы любви...
The Peanuts singles 16-летних сестер близняшек Ито - Хидейо и Цукако приметил продюсер Шо Ватанабе и решил, что для завоевания мировой славы неплохо бы поменять имена девушек на более благозвучные для западного уха. Сестры стали называться Эми и Юто, а весь дуэт нарекли Дза пинтанцу или по-английски Peanuts ("Арахисовые орешки"). После Peanuts singles почти через сорок лет эту песню в 2000-х пропоет еще один дуэт,закосивший под тинейджеров,W. А у нас подобные казусы больше не повторялись, потому что поэт-песенник Леонид Дербенёв написал на мелодию "Каникул Любви" свой - "правильный" - текст безо всякой там эротики. Изначально она называлась "Песня о счастливой любви" и была исполнена в 1965 году Ниной Пантелеевой. Однако народ тот час переименовал песню по первой строчке - "У моря, у синего моря". А уж после того, как ее исполнили мальчишки в узбекском к/ф "Нежность" (1966 г., реж. Э. Ишмухамедов), песня стала советским мегахитом.
"У моря, у синего моря Со мною ты рядом, со мною, И солнце светит, и для нас с тобой Целый день гудит прибой.
Прозрачное небо над нами, И чайки кричат над волнами, Кричат, что рядом будем мы всегда, Словно небо и вода.
Гляжу на залив, и ничуть не жаль, Что вновь корабли уплывают вдаль. Плывут корабли, но в любой дали Не найти им счастливей любви.
А над морем, над ласковым морем, Мчатся чайки дорогой прямою. И сладким кажется на берегу Поцелуй соленых губ.
А звезды взойдут, и уснет прибой, Дельфины плывут мимо нас с тобой. Дельфины, дельфины, другим морям Расскажите, как счастлива я!"
Спойте ее вместе с орешками
Или вот вам советская версия,более подходящая для караоке.
В музыке того времени творились интересные события, как известно теперь и вам,лучшая музыка была написана в 60-70ых. 1960 — официально начала своё существование группа The Beatles. 1961 — Рэй Чарльз, протестовавший против расовой сегрегации, отменил свой концерт в Огаста, штат Джорджия, где планировалось, что белые и цветные зрители будут сидеть отдельно. 1962 — выход дебютного альбома Bob Dylan Боба Дилана. 1962 — официально начала своё существование группа The Rolling Stones. 1964 — гастроли The Beatles в США; начало «британского вторжения». 1964 — образование группы The Who. 1964 — вышла песня Роя Орбисона «Oh, Pretty Woman». 1965 — образование группы The Doors. 1965 — песня The Rolling Stones «(I Can't Get No) Satisfaction» стала № 1 в Billboard Hot 100. 1966 — начало музыкальной карьеры Нэнси Синатры. 1966 — альбом Pet Sounds The Beach Boys. 1967 — альбом The Beatles Sgt. Pepper’s Lonely Hearts Club Band, одного из самых влиятельных альбомов рок-музыки всех времен. 1967 — дебютный альбом Джими Хендрикса Are You Experienced 1967 — дебютный альбом Pink Floyd. 1967—1969 — Культурное движение «Тропикалия» в Бразилии. 1968 — распалась группа «Cream»(Эрик Клаптон). 1968 — образование Led Zeppelin. 1969 — сформирован классический состав группы Deep Purple, записавший большинство её хитов. 1969 — выпущен двенадцатый альбом группы The Beatles Abbey Road. 1969 — прошёл фестиваль Вудсток. Подробнее я напишу позже,сильно люблю музон и не могу его обойти стороной...
А пока можно посмотреть фильм про музыку из жизни той поры.
У вас нет необходимых прав для просмотра вложений в этом сообщении.
Это был период расцвета артхауса в кино и театре. Началась французская новая волна. Появились,сейчас,хорошо известные ленты. 1960 — «Психо» (Альфред Хичкок). 1961 — «Завтрак у Тиффани». 1961 — Рой Лихтенштейн создал свои первые работы в стиле поп-арт, используя картинки из комиксов или мультфильмов и технологию, пришедшую из промышленной печати. 1962 — первый фильм бондианы с Шоном Коннери в главной роли 1962 — состоялся первый прямой телемост Европа-США. 1964 — «Вчера, сегодня, завтра» 1964 — «Фантомас». «Жандарм из Сен-Тропе». (Луи де Фюнес) 1964 — «За пригоршню долларов» (Клинт Иствуд). 1964 — «Моя прекрасная леди». 1966 — Звёздный путь: Оригинальный сериал. 1967 — Человек-паук. 1968 — Yellow submarine 1968 — «Космическая одиссея 2001 года». 1968 — «Ребенок Розмари». Засияли режиссеры: США Стэнли Кубрик США Орсон Уэллс США Вуди Аллен США Альфред Хичкок США Роджер Корман США Роман Полански Италия Федерико Феллини Италия Микеланджело Антониони Франция Жан-Люк Годар
The Beatles
У вас нет необходимых прав для просмотра вложений в этом сообщении.
Последний раз редактировалось SLAVACOKOLOV 15 янв 2015, 14:35, всего редактировалось 3 раз(а).
Блистательные актеры зарубежного кино бередили умы советского обывателя,ну если конечно картины шли в нашем прокате. Нужно отдать должное,в основном, покупались хорошие фильмы. Зато сейчас можно смотреть уже любые фильмы, с этими и не только,актерами. Этим актерам подражали во всем мире и у нас в особенности. А мы дети косили под крутых музчин западного кино,конечно и любовались обворожительными красавицами, актрисами зарубежного кино. Конечно в детстве мы все, наверное, больше любили французское кино,точнее его популярных актеров. В 60-е в СССР были наиболее популярны французские фильмы,духи,мода. Но когда подрос, стал потихоньку понимать и итальянское кино,его актеров.
В те годы началась эпидемия поп арта и всяких прочих модных,не пришей кобыле хвост,течений. Инсталяции из окурков в пепельнице или консервных банок с помойки,прочей "моднячей" атрибутики волосатых художников без конца смолящих марихуанну, захватили ума и сердца недалеких обывателей. В СССР,слава богу, не сильно увлеклись этим, а власти так вообще были настроены в штыки. Конечно совсем несложно представить помятый бумажный стакан, облитый кетчупом, как произведение поп арта и восхищенно взирать на это чувствуя свою художественную самобытность и оригинальность,а кто не поймет -несомненный больфан очень далекий от подлинного искусства. В этой среде произростала куча всяческих бездарностей. Я рос на репродукциях великих мастеров всех эпох и конечно не был любителем подобных проявлений + ко всему, был довольно мал чтоб стать извращенцем. Но, конечно,были и неплохие художники.
Одним из самых ярких и дорогих,если так можно сказать, художников той поры стал Уорхол, Энди.
Andy Warhol; настоящее имя — Эндрю Вархола, Andrew Warhola, Андрій Варгола; (6 августа 1928 — 22 февраля 1987) — американский художник, продюсер, дизайнер, писатель, коллекционер, издатель журналов и кинорежиссёр, культовая персона в истории поп-арт-движения и современного искусства в целом. Основатель идеологии «homo universale», создатель произведений, которые являются синонимом понятия «коммерческий поп-арт». В 1960-х годах был менеджером и продюсером первой альтернативной рок-группы The Velvet Underground. О жизни Уорхола снято несколько художественных и документальных фильмов.
Эндрю Вархола родился 6 августа 1928 года в Питтсбурге (штат Пенсильвания, США) четвёртым ребёнком в рабочей семье иммигрантов-русинов из села Микова у Стропкова на северо-востоке современной Словакии, части бывшей Австро-Венгерской империи.Первый ребёнок — дочь Юстина, родившаяся ещё в Словакии, умерла до переезда в США. Отец Уорхола Андрей в поисках работы иммигрировал в Соединённые Штаты в 1914 году, мать Юлия (в девичестве Завацкая) присоединилась к нему в 1921 году, после смерти бабушки и дедушки Уорхола. Члены глубоко религиозной семьи были прихожанами Русинской греко-католической церкви. Отец Уорхол работал в угольной шахте, не владевшая английским мать подрабатывала мытьём окон и уборкой, а также изготавливала и продавала цветы из консервных банок и гофрированной бумаги. К 1934 году Уорхолы переехали из трущоб в более комфортабельный район. Семья жила на улице Белен, 55, а затем в Доусон-Стрит, 3252 в Окленде, окрестностях Питтсбурга. У Энди было два старших брата. В третьем классе Уорхол заболел хореей Сиденгама, также называемой «Плясками св. Витта», которая явилась следствием перенесённой ранее скарлатины, после чего большую часть времени был прикован к постели. В классе он становится изгоем. Появилась мнительность, развилась боязнь врачей и больниц (которая не отпустит его до смерти). Во время, когда он прикован к постели, начинает увлекаться рисованием, собирать фотографии кинозвёзд и делать коллажи из газетных вырезок. Сам Уорхол позже упоминал этот период как очень важный в становлении его личности, выработавший навыки, художественный вкус и предпочтения. Когда Энди было 13 лет, в результате несчастного случая на шахте погиб его отец. В 1945 году Уорхол закончил среднюю школу Шенли (англ.)русск.. Планировал получить художественное образование в Университете Питтсбурга, чтобы потом преподавать рисунок. Но потом планы изменились, и он поступил в Технологический институт Карнеги, рассчитывая сделать карьеру в качестве коммерческого иллюстратора. В 1949 году он получил степень бакалавра изящных искусств в области графического дизайна. Успевал в учёбе хорошо, но часто не находил общий язык с преподавателями и сокурсниками. После окончания в 1949 году переехал в Нью-Йорк, где начал работать оформителем витрин магазинов, рисовать открытки и рекламные плакаты. Позже его принимают на работу художником-иллюстратором в журналы Vogue, Harper's Bazaar и ещё в несколько менее популярных изданий. В этот период он американизировал свою фамилию, начав писать её без последней буквы a, — «Уорхол» (Warhol). Уже к 1950 году приходит успех после удачного оформления рекламы обувной компании «И. Миллер». На рекламных плакатах была изображена в эксцентричной манере нарисованная чернилами обувь со специально сделанными кляксами. В середине 1950-х Уорхол проиллюстрировал самоучитель испанского языка Маргариты Мадригаль, положивший начало серии её бестселлеров-самоучителей, многократно переиздававшихся. В 1962 году Уорхол провёл первую свою крупную выставку, которая принесла ему популярность.К этому времени Уорхол смог купить собственный дом на Манхэттене, на 33-й Восточной улице. Доходы его поднялись до отметки 100 тысяч долларов в год, и это дало ему возможность больше увлекаться любимым делом — рисованием, и мечтать о «высоком искусстве» В 1956 году он получает почётный приз «Клуба художественных редакторов».
Уорхол одним из первых применил трафаретную печать как метод для создания картин. В своих ранних шелкографиях он использовал собственные, нарисованные от руки изображения. Позже, с помощью проектора, он транслировал на холст уже фотографии и вручную обводил изображение. Применение шелкографического метода было одним из этапов в стремлении Уорхола к массовому репродуцированию и тиражированию художественных произведений, вопреки всей критике Вальтера Беньямина, который писал о потере ауры и ценности произведения в век его технической воспроизводимости.
Способ Уорхола заключался в следующем: на рамку натягивалась нейлоновая сетка. Само изображение на сетке создавалось путём контактного засвечивания. На сетку, пропитанную фотоэмульсией, накладывался диапозитив. Всё засвечивалось, как при фотопечати. На освещённых местах сетки фотоэмульсия полимеризовалась и становилась нерастворимой пленкой. Лишнее смывалось водой. Так создавалась матрица, то есть печатная форма. Её накладывали на бумагу или ткань, и наносили краску. Краска проникала через прозрачные участки сетки и создавала изображение. Таким образом, нанося специальным резиновым валиком на деревянной ручке чёрную краску, Уорхол исполнил основной контур своих самых известных произведений: многократно повторяющихся Мэрилин Монро, Элизабет Тэйлор и других. Для многоцветной печати требовалось количество матриц, равное количеству цветов. Одного комплекта матриц хватало на большое количество изображений. Внедрение инновационных технологий в процесс создания образов ставило искусство на коммерческую основу.
В 1960-х годах художник использовал для своего творчества фотографии, напечатанные в СМИ. Начиная с 1980-х годов, он делал снимки сам фотоаппаратом Полароид.
В 1960 году Уорхол создаёт дизайн для банок Кока-кола, который принёс ему известность художника с неординарным видением искусства. В начале шестидесятых Уорхол всё больше занимается графикой, создавая, в основном, только произведения с изображением долларовых банкнот.
Уже в 1952 году работы Уорхола были представлены на выставке в Нью-Йорке, а в 1956 он получил почетный приз «Клуба художественных редакторов». К этому времени художник зарабатывал около ста тысяч долларов в год, однако не переставал мечтать о «высоком искусстве».
В 1960 году Уорхол рисует своё первое произведение из серии Кока-Кола. В 1960—1962 появляется цикл произведений с изображением консервных банок супа Кэмпбелл (Campbell’s Soup Can). Первоначально плакаты с банками супа исполнялись в технике живописи: «Банка с супом Кэмпбелл (рисово-томатный)» (Campbell’s Soup Can (Tomato Rice), 1961, а с 1962 года — в технике шелкографии («Тридцать две банки супа Кэмпбелл», «Сто банок супа Кэмпбелл», «Двести банок супа Кэмпбелл» — все 1962). Также, в 1962 году, поворотном для себя, Уорхол создаёт серии «Зелёные бутылки кока-колы». Рисунки банок в ярких тонах стали «визитной карточкой» Уорхола. Показ работ на выставке в галерее «Stabl» вызвал большой резонанс среди общественности. Хотя, по мнению критиков, эти картины отражали безликость и пошлость культуры массового потребления, менталитет западной цивилизации. После этой выставки Уорхола причислили к представителям поп-арта и концептуального искусства, таким как Роберт Раушенберг, Джаспер Джонс и Рой Лихтенштейн.
Начиная с этого периода Уорхол как фотограф и художник работал с образами звёзд эстрады и кино: Мэрилин Монро, Элизабет Тейлор, Джима Моррисона и Элвиса Пресли, а также с образами политиков, например, Мао Цзэдуна и Владимира Ильича Ленина («Красный Ленин», «Чёрный Ленин»). После ухода Монро из жизни он создал свой знаменитый «Диптих Мэрилин», ставший аллегорией жизни и смерти актрисы. По состоянию на 2011 год Диптих Мэрилин выставлен в филиале лондонской Галереи Тейт в Ливерпуле. 2 декабря 2004 года газета «The Guardian» опубликовала список 500 наиболее выдающихся произведений современного искусства, где это произведение Уорхола занимает почётное третье место.У Уорхола был своеобразный, постоянно меняющийся подход к живописи. Одним из новшеств стало применение красок кислотных оттенков. В 1963 году Уорхол купил здание на Манхэттене, здание получает название «Фабрика», тут Энди ставит на поток создание произведений современного искусства. В 1964 году состоялась первая выставка арт-объектов Уорхола, не вписывающихся в рамки понятия живописи. Экспозиция заключалась в демонстрации около сотни копий упаковочной картонной тары, коробок из-под кетчупа «Хайнц» и стирального порошка «Brillo». По случаю открытия выставки Уорхол устроил презентацию своей новой необычной студии, «Фабрики», стены которой были выкрашены в серебряный цвет. В студии царила обстановка вседозволенности, проводились вечеринки. Это помещение нарушило представление о мастерской художника как об уединённом месте. «Фабрика» и её хозяин стали часто фигурировать в репортажах светской хроники, о них стали писать в журналах и средствах массовой информации. Создаёт Уорхол и собственный проект — журнал «Интервью», где знаменитости брали интервью у знаменитостей. «Фабрика» была организованным производством, которое выпускало до 80 печатных произведений в день, то есть несколько тысяч отпечатков в год. Был нанят коллектив рабочих, осуществлявших массовое производство поставленных на поток репродукций с портретами знаменитостей. Героев своих тиражируемых произведений Уорхол фотографировал у себя в мастерской, делая Полароидом серию моментальных снимков. Из множества кадров выбирался лучший, увеличивался, и методом шелкографии переносился на холст. Поверхность холста покрывалась краской либо до репродуцирования, либо Уорхол наносил масляную краску по уже репродуцированному отпечатку. Обычно делалось несколько вариантов одного произведения. Таким образом Уорхол превратил искусство в «бизнес-арт», руководя исполнителями, которые технически воспроизводили его собственные работы. Уорхол придерживался мнения, что знаменитости на портретах должны были выглядеть идеально и без изъянов: картина «До и после» из цикла «Рекламные объявления» (1960), давала анонс «нового лица от Уорхола», якобы «улучшенной версии тебя самого». Он ретушировал морщины и дефекты кожи лица, убирал лишние подбородки, подрисовывал ярче глаза и губы, придавая лицам идеализированные черты. Среди клиентов Уорхола — всё семейство иранского шаха Мохаммеда Резы Пехлеви, Мик Джаггер, Лайза Миннелли, Джон Леннон, Дайана Росс, Бриджит Бардо и многие другие знаменитости.
Параллельно с созданием объектов поп-арта, Уорхол начинает снимать кинофильмы, однако как режиссёр успеха добивается только в узких кругах. В период с 1963 по 1968 годы Уорхол снял несколько сотен лент, в том числе 472 четырёхминутные черно-белые портретные кинопробы (Screen Tests), десятки короткометражных фильмов и более 150 фильмов с сюжетами, только 60 из которых увидели свет.
Большинство его фильмов, снятых в тот период, не имели никакого сюжета. В основу сюжетных линий ложились псевдодокументальные съёмки, например: «мужчина примеряет трусы». Основным смыслом фильмов Уорхола было раскрытие сути сексуальной революции. В середине 1960-х Уорхол перешел от съёмки чёрно-белых немых кинолент к цветному кино со сценарием (чаще всего эротического содержания). Стремясь раздвинуть рамки традиционного кино, Уорхол занялся съёмкой «неподвижных фильмов». Самыми значимыми из них стали «Спи» (1963) и «Эмпайр» (1964). Первый представлял собой чёрно-белую 5-часовую съёмку спящего человека — американского поэта Джона Джиорно, не сопровождавшуюся никакими звуками. Премьерный показ фильма состоялся 17 января 1964 года в The Film-Makers' Cooperative при участии режиссёра Йонаса Мекаса, «крёстного отца» нью-йоркского киноавангарда. Всего присутствовало девять зрителей, двое из них ушли с просмотра в течение первого часа. Первоначально вместо Джиорно Уорхол хотел заснять сон Брижит Бардо.
Сюжет второй ленты заключался в 8-часовом показе снятого в режиме замедленной съёмки нью-йоркского небоскрёба Эмпайр Стейт Билдинг в период с вечера 25 июля по утро 26 июля 1964 года. Своими пробами и перформансами в киноискусстве Уорхол хотел открыть новые направления в кинематографе и заинтересовать и удивить ими пресыщенного зрителя.
3 июня 1968 года радикальная феминистка Валери Соланас, ранее снимавшаяся в фильмах Уорхола, вошла в «Фабрику» и три раза выстрелила Энди в живот. После чего вышла на улицу, подошла к полицейскому и сказала: «Я стреляла в Энди Уорхола». Пострадавший перенёс состояние клинической смерти и 5-часовую операцию, закончившуюся успешно. После покушения художнику пришлось носить поддерживающий корсет больше года, так как почти все его внутренние органы были повреждены. Уорхол отказался давать обвинительные показания в полиции, в результате чего Соланас получила только три года тюрьмы и принудительное лечение в психиатрической больнице. В его работах начинают преобладать темы, связанные с насильственной смертью. Впрочем, эта тематика занимала Уорхола ещё и до покушения, катастрофы волновали его своей притягательностью. Боязнь смерти и увечий Уорхол выражал посредством изображения электрических стульев, самоубийств, аварий, похорон, ядерных взрывов, траура Жаклин Кеннеди, посмертных портретов Мэрилин Монро и больной Элизабет Тейлор. Одна из ярких иллюстраций этой фобии Уорхола — картина 1963 года «Катастрофа с тунцом», в которой воспроизведены газетные вырезки и фото двух женщин, отравившихся консервированным тунцом A&P, банка из-под которого также фигурирует в изображении. После покушения Уорхол не потерял интереса к творческой деятельности и не переставал экспериментировать с искусством. В 1979 году он занялся художественной раскраской гоночного автомобиля. По его мнению, движущееся в пространстве произведение искусства — это новое слово, новое явление в живописи, сущность красоты которого открывалась в динамике движения. Росписью кузова автомашины Уорхол занимался лично. Краски наносил разнообразным подручным материалом, в том числе и пальцем. Сохранилось его высказывание: «Я пытался нарисовать, как выглядит скорость. Когда машина движется на большой скорости, все линии и цвета смазываются».
Уорхол скончался во сне от остановки сердца в Медицинском центре Корнуэлл на Манхеттене, где ему сделали несложную операцию по удалению желчного пузыря в 1987 году. Похоронен в родном Питтсбурге. На похоронах присутствовала Йоко Оно. Могила Энди на греко-католическом кладбище Св. Иоанна Крестителя, Бетель Парк, Пенсильвания, США
Энди Уорхол никогда не делал каминг-аута, но жил жизнью открытого гея. Гомосексуальность художника активно проявилась в его творчестве. В качестве примеров можно упомянуть живописные серии «Sex Parts» и «Torso», фильмы «Sleep», «Blow Job», «My Hustler» и «Lonesome Cowboys». То есть Энди Уорхола ко всему прочему можно причислить к пионерам и основателям квир-искусства.
В последние годы Энди Уорхол возглавляет список самых продаваемых художников. Так, в 2013 году суммарная стоимость проданных на аукционах работ художника составила 427,1 млн долл. Наиболее высоко ценятся крупноформатные холсты 1962—1964 годов, цены на которые могут доходить до 100 млн долларов. Текущий рекорд был установлен в ноябре 2013 года — 105,4 млн долл. за «Серебряную автокатастрофу (двойную)» (1963). За период с 1985 по 2010 средние аукционные цены на работы Уорхола выросли на 3400 %, что примерно вдвое превышает средний рост цен на современное искусство за тот же период.
У вас нет необходимых прав для просмотра вложений в этом сообщении.
Мода,да она самая. В нашем СССР, типа, не было секса,ну занятие любовью, в подсобке, в НИИ или фабрике с сотрудником(цей) разве можно обозвать столь пошлым словечком... И вот моды у нас тоже...нет все же как и любовь была! Не знаю уж как,посредством зарубежных фильмов,редких в те годы иностранных журналов (даже польских), наших журналов мод в которых если и не были фото из иностранных аналогов,то уж наши архитэкторы моды смело черпали их идеи,ну впрямь не только же в телогрейках нам щеголять. Хотя из вините! Наши телогреечки были очень даже хороши,как и валеночки. У меня в конце семидесятых был модный итальянский куртец очень похожий на наш ватничек и что ж я гордо щеголял в нем,хотя граждане вокруг не понимали что это был последний писк итальянской моды...Да и многие ,не один десяток лет и по сей носят куртки из синтетических материалов очень похожие на наши телогреечки. Даже Армани и тот сподобился почти скопировать наш ватничек, в начале этого тысячелетия. Так что наш одежпром тоже в каком-то смысле законодатель моды. А я в середине 60-х уже начинал капризничать по поводу одежды. Всех кто носил дудочки (зауженные брюки) и узконосую обувь именовали стилягами. Моя мама слыла стильной дамой. Все мечтали о красивой западной одежде. И особенно когда война уже ушла в прошлое у людей появилось сильное желание к внешнему самовыражению. Все мы были типа из под копирки,но нет это не совсем так. Кто хотел все же сам шил себе одежду. Моя мама тоже училась воплощать свои мечты, подчерпнутые из западных фильмов, пошивом себе юбок и кофточек. Появилось много ателье индивидуального пошива одежды.Там валялись модные журналы с образцами одежды и люди шили,шили и шили. Хотя большинство выглядело как чмошники,все же было достаточно приятных ухоженных людей,в основном дам. По советским понятием мужчина должен был быть не красивши бибизяны и пахнуть табаком... Но моя мама с этим не могла мириться и сама бесконечно сидела в ванной и меня мучила мытьем, прививая мне задатки нормального музчины. В дырах, что мы жили в ту пору, не было особой моды и стиля -ну чистый(?) совок и только. Однако мама прививала мне аккуратность и манеру хорошо выглядеть. Вот Ялточка и была тем местом где она расцветала как розочка. Появлялась возможность и приодеться, и носик припудрить, и надушиться духами освежая кругом дух советский (в смысле запах). Ну не было в ту пору ни дезодарантов,а духи конечно были,но не все и мылись вовремя и не душились маскируя амбрэ,так что сами понимаете как могло пахнуть. И вот мы с красавцем, капитаном второго ранга, папой в черной форме и рядом с красивой молодой женой на гвоздиках (туфли на тонком каблуке) и в балонии(модный,в тот период, синтетический плащ от дождя) с импортным шарфиком на шее купленным,как и многое другое,у барыг моряков дальнего плавания, рассекали по набережной. На папу заглядовались дамы, а на маму мужчины,только вот я не был интересен прохожим. Я ужасно гордился папой и любил когда он был в форме. Мама мне тоже очень нравилась и я вечно отгонял от нее мужчин которые пытались заигровать, если рядом не было отца. Меня величали младшим братиком и не все даже понимали что я ее сын. А я как истинный мужчина отстаивая свою даму чести, мою любимую мамочку, гнал их прочь! Ялта это всесоюзная здравница и кузница и житница,как говорил товарищ Саахов и туда стекалось много всякого народу провести время. После нашей кляузной дыры мы все вздыхали полной грудью и здорово отдыхали там семьей. Но больше всего, это конечно же,ну вы сразу поняли - морожные пирожные,которые дурманили нам голову. В нашей семье не курили и не употребляли алкоголь и даже на праздники не помню чтоб пили. Отца иногда приглашали в гости и он мог немного выпить,а вот мама была совершенно холодна к этому вопросу. А вот Ялточка, своим свежим дурманом с моря, несла такой позитив, что иногда на большом балкончике в своем большом номере с видом на город и море мы сидели вечерами и я пил газировку, мы ели тортики из мороженного и родители пили шампанское (кстати вполне достойного качества) с конфетами и фруктами. Было супер! А утром когда вставало солнце и за окном чирикали птички мы шли завтракать,а потом шли гулять среди пальм этого чудесного города праздника.
У вас нет необходимых прав для просмотра вложений в этом сообщении.
Последний раз редактировалось SLAVACOKOLOV 18 янв 2015, 14:01, всего редактировалось 1 раз.
Мода, западная в шестидесятых. Созданы Go-go boots. В моде этнический стиль, культ синтетики, капри, мини-платья с завышенной талией, мини-юбки, джинсы «скинни», начесы, прическа Бриджит Бардо «бабетта», «геометрические стрижки», французский маникюр. Андрогинность, пончо, мокасины, рукава-«фонарики», узор в горошек вошли в моду в конце 60-х. 1962 — Мэри Куант создал коллекцию мини-юбок. 1963 — бикини вошло в моду. 1963 — образована Фабрика, мастерская Энди Уорхола. 1965 — мода в СССР в этом году достаточно хорошо иллюстрирована на фотографиях справа. 1966 — Пако Рабан представил миру свою первую коллекцию из «современных материалов». 1966 — коллекция Ив Сен-Лорана предложила впервые в мире моды смокинг для женщин, ставший своеобразной маркой дома моды Сен-Лорана. 1966 — Твигги признана лицом года газетой «Daily Express».
В разрастающейся студенческой среде, конечно же, зарождались движения протеста. У молодых появлялись собственные кумиры. Это уже не звезды кино, а лидеры молодежных музыкальных движений: Элвис Пресли, Билл Хейли, Джон Леннон, Мик Джаггер, Джими Хендрикс, Дженис Джоплин, Джим Моррисон и прочие - харизматические личности, олицетворяющие «свингующие шестидесятые». Этот знаменитый термин появился благодаря журналу «Time» 15 апреля 1966 года, назвавшего Лондон «свингующим городом». Это был первый город, в котором дизайнеры стали создавать одежду именно для молодежи. Законодательница моды Франция, несмотря на то, что наступило новое десятилетие, все еще предлагала стиль «утонченной женственности» - элегантные платья и костюмы, перчатки, жемчуг. Благодаря новаторским начинаниям, в начале 60-х, столица мировой моды переместилась из Парижа в Лондон. Еще со второй половины 1950-х годов в Лондоне начали открываться альтернативные магазины для молодежи на Кингс-Роуд и Карнаби-стрит, ставшими в 1960-е годы самыми модными улицами мира. В семидесятых я тоже носил рубашки Kings road shop. В конце 1950-х годов в Лондоне появляется новая субкультура под названием Моды (Mod - from modernist) сокращенно от «модернисты» - современные. Предшественниками модов в конце 50-х были знаменитые «Тедди-бойз» (Teddy boy – мальчик Tедди) или, как их сокращенно называли, просто «Тедди», последователи «эдвардианского стиля» – стиля короля Великобритании Эдуарда VII. «Неоэдвардианский» стиль» в мужской моде конца 1950-х популяризировал Пьер Карден, предложивший носить костюмы с узкими жакетами без воротника, белые сорочки, элегантные галстуки, жакеты Неру с воротником-стойкой, узкие брюки.
Моды подхватывают щегольскую манеру одеваться. Их девиз - «умеренность и аккуратность!» Моды носят идеально сидящие костюмчики, химическое чудо начала 60-х - белоснежные нейлоновые сорочки с узкими воротничками, тонкие галстуки, ботинки с узкими носами, куртки из искусственной кожи на молнии, белые носочки, делают безупречные прически. Любимое средство передвижения модов – скутер.
Моды пропагандируют правила «идеального вкуса» и минимализм, одеваясь по принципу - «меньше значит больше». Образ «Мода», благодаря прессе, становится очень популярным у подрастающего поколения. В 1962 году последователями стиля mods становятся легендарные «Битлз». Они снимают кожаные куртки и футболки и облачаются в модные костюмы.
Девушки, поддерживающие субкультуру модов, носят брюки, мужские рубашки, обувь на плоской подошве, делают короткие стрижки и определенный макияж, используя основу, придающую лицу бледность, коричневые тени для век, белёсую помаду и накладные ресницы.
Именно в Лондоне появилась на свет самая скандальная одежда шестидесятых — мини-юбка, символ эмансипации и сексуальной революции. В 1962 году, ставшая легендой Мэри Квант, показала первую коллекцию вещей с длиной мини. Новый стиль, названный «стиль Лондон», очень быстро завоевал молодежь всего мира. Мэри Квант выдвинула свой знаменитый лозунг: «Хороший вкус - это смерть. Вульгарность — жизнь». Она отрицала элегантность и традиции «хорошего вкуса», считая их ханжеством. Популярности мини способствовала и новая манекенщица, которую нашли для демонстрации «стиля Лондон», — знаменитая Твигги (веточка), настоящее имя которой Лесли Хорнби. Ею создан образ угловатого подростка, шокировавший старшее поколение. В 1966 году Твигги, будет названа «лицом года» и войдет в историю моды как кумир 60-х и первая настоящая супермодель, которой поклонялись и подражали толпы поклонников. Стиль, предложенный Мэри Квант, также называли «стилем Лолиты». Детские платьица и сарафанчики с завышенной талией, гольфики и туфельки на низком каблуке, надетые на Твигги плюс инфантильное выражение лица модели, все это напоминало об образе Лолиты из романа Владимира Набокова, появившегося в 1955 году. Другой популярнейшей британской моделью 1960-х годов была Джин Шримптон, олицетворяющая более женственный, но от этого не менее модный образ.
В это же время в Лондоне становится очень популярным дизайнер Джон Бейтс, одно время работавший под именем Жан Варон, многие историки моды считают, что именно он, а ни Мэри Квант, является истинным создателем мини-юбки. Бейтс внес большой вклад в развитие моды 60-х годов, но его имя, к сожалению, не так широко известно, как имена многих собратьев по цеху.
Новому стилю нужны были новые прически. И опять Лондон в плане новаторских идей оказался впереди Парижа. В 1959 году на экраны выходит французский фильм «Бабетта идет на войну» с Брижит Бардо в главной роли. Небрежно взбитая прическа с начесом, несмотря на то, что на её создание у модниц уходит немало времени, становится суперпопулярной. В 1960-е годы знаменитый французский парикмахер Жак Дессанж некоторое время работает с легендарной звездой, продолжая популяризировать полюбившийся образ, Брижит Бардо постоянно появляется с различными прическами на основе начеса.
А в Лондоне с1963 года парикмахер Видал Сассун начинает делать точные геометрические стрижки, стильные, современные и легкие в уходе. Его знаменитый боб приурочен к показу коллекции Мэри Квант. В 1963 году прическа актрисы Нэнси Кван, созданная для фильма «The Wild Affair», появились в журналах по всему миру. В последующие годы Сассун разрабатывает еще целый ряд точных стрижек. В 1968 году Сассун делает знаменитую Pixie cut (стрижку эльфа) - ультракороткую стрижку актрисе Миа Фэрроу.
Модный мир делится на приверженцев пышных причесок на основе начеса и геометрических стрижек. На подиуме новаторская геометрия одерживает победу. А вот в жизни женщины предпочитают начесы и пышные укладки. Повсеместная мода на точные стрижки придет чуть позже, в конце десятилетия и задержится в 1970-х. Кстати, и сам маэстро Сассун вполне дружелюбно относился к сложным прическам и начесам и мастерски умел их делать. Помимо стиля Брижит Бардо и геометрических стрижек в 1960-е годы модными становятся шиньоны.
Стилисты, создающие одежду исключительно для молодежи, появляются и в других странах. Готовая одежда набирает популярность, а у домов высокой моды сокращается число клиентов и им приходится срочно налаживать свои линии прет-а-порте. Но в середине 60-х высокая мода укрепляет позиции. Париж наконец-то берет реванш. Культ молодости, возникший в Лондоне, перемещается на французские подиумы, благодаря Андре Куррежу, знаменитому модельеру, предложившему космический стиль. Вдохновленный освоением космического пространства и первым полетом в космос в 1961 году советского космонавта Юрия Гагарина, Курреж в 1964 году представляет свою новую коллекцию, для которой использует чудо промышленной химии 60-х - винил и синтетические ткани. Он так и называет ее «Космическая эра». Для показа Курреж подбирает особенных манекенщиц – юных, со спортивными фигурами, узкими бедрами, окрестив их «лунными девушками». Головные уборы, похожие на шлемы, серебристые синтетические материалы и белые полусапожки из винила на низком каблуке делали манекенщиц похожими на астронавток или инопланетянок. Это была первая коллекция «от кутюр», адресованная молодым.
В качестве прет-а-порте Курреж предлагает женщинам носить брючные костюмы, мини-платья трапециевидного силуэта без акцентирования талии, двубортные жакеты. Любимые сочетания белого, черного и серебристого Курреж соединяет с оранжевым и зеленым, желтым и розовым. А вот при составлении ансамблей кутюрье придерживается традиционных представлений, подбирая к каждому платью, костюму или пальто головной убор, обувь, перчатки и очки.
«Космический стиль» разрабатывают и другие модельеры, например, Пако Рабан, создает одежду из металла и пластика, а в 1966 году, демонстрирует коллекцию пластиковых аксессуаров и бижутерии. Версию «космического стиля» в 60-е демонстрирует и Пьер Карден. В 1964 году он показывает свою космическую коллекцию. Его модели более приемлемы для потребителей. Карден предлагает платья с элементами из металла или пластика, короткий «космический» сарафан с большими проймами из трикотажа, синтетической ткани или кожи, который можно носить как с водолазкой «лапшой», так и без всего. Другие популярные модели Кардена — конструктивные костюмы с мини-юбками, свитеры, брюки, кожаные куртки с молниями, комбинезоны. Визитная карточка Кардена - геометрические линии кроя и геометрический декор. В 1967 году он демонстрирует платья, с выпуклым узором, дополненные длинными перчатками и сапогами выше колен из лакированной кожи. Сочетание супер-мини и высоких сапог вошло в моду благодаря Кардену. Экспериментатор Руди Гернрайх один из самых авангардных дизайнеров США создает одежду, в которой стираются границы между полами. В 1964 появляется его сенсационная коллекция женских купальников с открытым верхом, названных «монокини» и комбинезонов в стиле унисекс, а также нижнее белье - боди телесного цвета из эластичного полиамида. В 1964 году Гернрайх демонстрирует прозрачные женские блузы, которые носят без бюстгальтера. Первым из американских дизайнеров он использует синтетику, винил и пластик в качестве прозрачных вставок на платьях, обуви и украшениях. В 1966 году Гернрайх представил ансамбли «Total Look», в которых все элементы костюма, включая колготки и обувь, с рисунками, имитирующими шкуры животных.
В 60-е, как и в 20-е годы, бум на абстрактную геометрию. Особенно популярны черно-белые графические рисунки в стиле «оп-арт» (оптическая иллюзия). Подобные модели предлагают многие модельеры - Оззи Кларк, Нина Риччи, Ги Ларош и др. Ткани и трикотаж с черно-белой графикой: клетками, полосами, геометрическими элементами получают широкое распространение в массовой моде. Еще один символ моды шестидесятых — абстрактные рисунки ярких «психоделических» расцветок Эмилио Пуччи. Геометрический принт, очень модный в этот период, используют многие именитые модельеры и производители массовой одежды. 60-е годы – эра синтетики и всего искусственного. Синтетические ткани широко распространены в массовой моде - они считаются самыми удобными и практичными, так как не мнутся и легко стираются, кроме того, они дешевые. Именно в это время появляются пластик, ткани с люрексом, винил, кримплен, нейлон, дедерон, дралон, дакрон, лайкра, полиэстер и т.д.
Мода того времени благосклонна к ненатуральности – накладным ресницам, парикам, шиньонам, бижутерии. Этот бум возводит на пьедестал американского «короля бижутерии» Кеннета Джей Лейна, открывшего в 1963 году фирму, выпускающую оригинальную бижутерию и эксклюзивную обувь. Кеннет создавал уникальные искусственные украшения для Жаклин Кеннеди, Элизабет Тейлор, Одри Хепберн и т.д. В моде крупные яркие украшения из пластмассы, искусственные драгоценности, обувь и аксессуары из полимерных материалов, крупные очки в пластмассовой оправе.
Суперпопулярными становятся высокие женские сапоги на низком каблуке, с узким или широким закругленным мыском из кожи или синтетического материала, названные гоу-гоу (go go). Сапожки получили широкое распространение с возникновением моды на длину мини и танцевальный стиль с одноименным названием – «go-go». Пропагандистами моды на сапоги гоу-гоу считаются французские модельеры Андре Курреж, Пьер Карден и английский модельер Мэри Квант в коллекциях которых модели мини часто сочетались с высокими, облегающими ногу сапогами. Идея была подхвачена многими дизайнерами, а обувные производители начали массовое производство модных сапог.
Бум «космического стиля» пришелся на 1965—1966 годы. Однако в чистом виде он существовал только на подиумах, в модных журналах и в кинематографе. В повседневной жизни людям, конечно же, требовалась другая одежда. Большинство клиенток домов высокой моды были, как и прежде, женщинами «элегантного возраста», которые могли себе позволить далеко не все. Им предлагался «облагороженный» вариант молодежной моды - юбки до колена, костюмы, осовремененные яркими расцветками, рисунками и новыми лаконичными линиями, классические «лодочки» на маленькой шпильке.
Молодежь 1960-х годов предпочитала носить мини юбки, платья и сарафаны прямого или а-образного силуэта, рубашки, водолазки и облегающие джемперы, туфли на низком каблуке с квадратным мыском, делать модные стрижки и прически с начесами, завивать волосы концами наружу.
В 60-е годы все хотели выглядеть молодо и современно. Одной из самых элегантных женщин своего времени по праву считалась Жаклин Кеннеди, предпочитающая простой и одновременно роскошный стиль. Жаклин одевалась в Париже у знаменитых кутюрье Юбера Живанши, Кристобаля Баленсиаги, Коко Шанель и др. Cтав первой леди Америки, Джеки была вынуждена обратиться к услугам американского модельера Олега Кассини (Олег Лоевский), сына российских эмигрантов. Стиль Жаклин Кеннеди выбирали для себя многие женщины 60-х. Трансляторами нового стиля, основанного на совершенстве геометрических линий, были многие популярные актрисы того времени. Большинство домов высокой моды в 60-е годы стало выпускать созвучные времени линии прет-а-порте. Например, в коллекциях Дома Диор, модельер Марк Боан возглавляющий его в тот период, предлагал брючные ансамбли с геометрическим декором ярких цветов, мини-платья с цветочными и обстрактными рисунками, лаконичные костюмы пастельных оттенков. Великолепный французский мастер прет-а-порте Тед Лапидус выпускал безупречно сшитые брючные костюмы, а-образные пальто, разноцветные мини-платья, костюмы в клетку. В магазинах готовой одежды подхватывали идеи модных кутюрье, включая в свой ассортимент одежду ярких расцветок с простыми геометрическими линиями.
В 1962 году вышла первая коллекция нового дома моды «Ив Сен-Лоран», ставшего ведущим домом «от кутюр», символом французской моды. Сен-Лоран не смотрел в космос, как многие модельеры того времени, его взгляд был обращен на городские улицы, он выводил на подиум изыскано перефразированный дух времени, стремясь делать комфортную одежду, подходящую и молодым девушкам, и женщинам элегантного возраста. Музой кутюрье на протяжении многих лет была актриса Катрин Денёв.
После показа первой же коллекции Сен-Лорана, журнал «Лайф» назвал её «наилучшей коллекцией дамских костюмов, созданных после Шанель». Для создания своего стиля в 1960-е годы Сен-Лоран заимствует элементы из мужского гардероба, вводит в женскую моду кожаные пиджаки, высоченные сапоги до бедра, мужские смокинги. Модельер считается одним из основателей стиля унисекс. В 1965 году Сен-Лорана демонстрирует в своей новой коллекции знаменитые платья из трикотажного полотна - простого кроя, без воротника и рукавов, с декором в виде крупных цветных клеток, созданные по мотивам живописи художника Питера Мондриана. Их дополняют туфли, сделанные дизайнером обуви Роже Вивье - черные лодочки на низком каблуке с квадратным носом и квадратной металлической пряжкой. В летней коллекции 1966 года появляются брючные костюмы и платья из трикотажа в стиле «поп-арт» - с огромными аппликациями в виде губ, сердец, женских профилей и контура тела. В летней коллекции 1968 года Сен-Лоран предлагает стиль «сафари». В этой же коллекции присутствуют прозрачные блузы, смокинги, комбинезоны и шорты.
Мода конца 1960-х годов испытывает влияние движения хиппи. Молодежь выступала против социальных и классовых различий, расовой дискриминации и войны. В наиболее яркой форме эти идеи проявлялись среди представителей элитарной молодежной субкультуры, созданной интеллигенцией и представителями среднего класса. Протест против несправедливости выражался в пассивном сопротивлении обществу — своеобразном уходе от действительности и отказе от благ цивилизации. Хиппи пытались выстроить новую систему человеческих взаимоотношений, считая, что путь к достижению лучшего - это любовь. В субкультуре хиппи складывался культ минимальных человеческих потребностей. Они пропагандировали аскетический образ жизни, отказывались от собственности и многих благ цивилизации, осуждали «общество потребления». Своим видом хиппи подчеркивали отрицание норм официальной культуры. Их одежда намеренно небрежна и даже неряшлива - рваные джинсы, бисерные браслеты, тканевые сумки-мешки за плечами. Подчеркивается бесполость облика, длинные волосы - символизируют свободу. В поисках собственной индивидуальности молодые бунтари смешивают одежду разных стилей, времен и народов. Они воспевают ценность старой одежды из магазинов секонд -хенд. Эффект поношенности зачастую специально имитируется с помощью заплат и потертостей. Очень ценятся самодельная одежда с ручной вышивкой или аппликациями, ручное вязание, самодельные украшения. Кульминация движения хиппи - 1967 год. В «альтернативных» магазинах появляется одежда из натуральных тканей, этническая одежда и даже вещи с эффектами поношенности. В 1967 году в Лондоне проходит первый показ «моды хиппи». Официальная мода обязана «детям цветов» появлением многих стилей - этно, фолк, ретро, унисекс, диффузного стиля и, конечно же, джинсового, ставшего в 1970-е одним из самых популярных.
Мужская мода более консервативна, чем женская, но и она подвержена изменениям. Для традиционной мужской моды 60-х годов характерны узкие брюки в начале десятилетия и появление брюк клеш в конце. Чувствовалось влияние спортивного стиля, пиджаки стали длиннее и уже, с трикотажа исчезли узоры и орнаменты, их заменили свитеры в полоску или ромб и более строгие однотонные или с геометрическими рисунками кардиганы. В конце 60-х многие стали носить водолазки и свитеры, связанные резинкой, которые в нашей стране известны под названием «лапша». Ближе к 1970-м в мужскую моду вошел цвет, яркость, разнообразие рубашечных рисунков. На мужскую молодежную моду этого периода большое влияние оказывали многочисленные субкультуры и музыкальные направления.
Косметическая палитра этого времени, такая же разнообразная и свободная, как и все модные тенденции. В начале 60-х, ещё удерживается мода на яркие губы, но уже с середины десятилетия эта тенденция прошла, уступив место светлой губной помаде. В 60- годы главный акцент в макияже сосредоточен на глазах, популярны накладные ресницы, супермодными являются разноцветные тени и стрелки. Дополняют образ, на выбор – начесы, геометрические стрижки, стрижка эльф, или распущенные волосы в стиле хиппи.
Мода 60-х многогранна, через десятилетие прошло большое количество разнообразных стилей, модельеры воплотили в жизнь множество новаторских идей, которые до сих пор являются отправной точкой для современных дизайнеров, но доминантой этого периода по праву можно назвать яркую цветовую палитру и геометрический силуэт в одежде.
Расширение модного диапазона, многообразие форм, яркость, фантазия, молодость – все это привнесли в моду 60-е. Десятилетие подарило модницам целый ряд запоминающихся деталей и аксессуаров – разноплановую бижутерию, от имитаций драгоценностей до пластмассы, пояса-бусы и пояса-цепи, надетые на платье или блузу, солнцезащитные очки в невероятных оправах, бантики и ленты для волос, цветные колготки, колготки с узорами и т.д.
Брюки, юбки-брюки, джинсы клеш и узкие джинсы, названные водосточными трубами, цветные джинсы, орнамент пейсли, психоделические расцветки, флуоресцентные цвета в молодежной моде и пастельные в дамской одежде, трапециевидные пальто (свингеры), блестящие ткани, водолазки, купальники бикини, высокие женские сапоги и многое другое появилось в мире моды именно в это время.
В 1967 - 1969 годах в первый раз в моде одновременно было три длины — мини, макси и миди. Например, длинные пальто носили с мини-юбками. До этого длина всегда была главным признаком сезонной моды. Особенно актуальными в женской моде становятся брюки. В 1969 году Европа испытывает настоящий бум брючных костюмов.
Конец шестидесятых характеризуется многообразием и эклектизмом. Впервые в моде много разных стилей и направлений – геометрические силуэты, диффузный стиль, унисекс, богемный шик, элементы этнического и исторического костюма.
Мода становится более демократичной, она больше не навязывает жестких правил, позволяя каждому проявлять свою индивидуальность.
Мы познакомились с делами в шестидесятых. Мои личные воспоминания несколько лучше уже о конце 60-ых. Разница между концом шестидесятых и началом семидесятых была столь не значительна и я больше уделю этому периоду потом,в плане личных воспоминаний. В моде (западной) были сильные изменения в течении 60-х,от узких укороченных брюк до клешей,от мини до макси... Наверное и в еде были перемены-от изобилия икры до дифисыта (СССР),правда не такого как в середине семидесятых. Все одно и дальше мы коснемся этих тем. Чтобы кому-то лучше понять или вспомнить как жили в то время можно посмотреть фильмы ссылки на которые будут ниже. Начните с того что можно поржать над...собой тоже или прекрасными образчиками современной тупости ниже. Многие хотят выглядеть,но их содержание, при этом, либо полная гниль или пустота,опилки успешно заменяют головной мозг. В этом можно убедиться посмотрев следующий сюжет и подобные ему или просто оглянуться вокруг. Надеюсь что мы не такие... http://www.youtube.com/watch?v=ErVT98qpCcI Вот это и толкает освежить вашу память и вспомнить все как было в действительности,хотя бы то что можно реально помнить.
ARI76 писал(а) 19 янв 2015, 21:08:Вам было 5-7 лет ?? Или в профиле с возрастном что-то не так ?
вы все это читаете? Не знаю, что вся эта мода 60-х с убийством Кеннеди делает в отчетах о Крыме
Да, читаю. И с удовольствием. Это отчет автора и он вправе писать то, что считает нужным. Что-то мне тоже казалось не очень нужным и далеким от темы. Я даже писала где-то выше об этом. Но по сути с автором согласна - не нравится - полно отчетов типа " Был там-то , потратил столько-то, видел это.... " и все это повторяется из одного отчета в другой... Мне нравится манера повествования, мне интересен этот период, импонируют трогательные и теплые интонации в воспоминаниях о детстве, юности, близких людях, любимых местах. Что-то "сподвигло" порыться в книжках, пересмотреть любимые фильмы....
Я, как-то, лазил по горам в районе Кара Дага и вдруг камень под ногой разломился и я упал,стал скверно ругать камень и было хотел ударить его больно о землю, как на его половинке увидел отпечаток существа,ну по типу комара в янтаре, правда существо было довольно крупное. И я понял, подняв вторую половину отпечатка,что перед носом у меня то что когда-то...150 миллионов лет назад бегало по Земле,а может и больше и попалось в лаву при извержении. А вы говорите...
Если бы я был в то время когда земноводные начали осваивать территорию полуострова я бы вспомнил и все то,но к сожалению обзор моей памяти ограничен лишь пятьюдесятью годками. Так шо не судите и тем более если нет на то полномочий,а лучше с вумным видом идите к своей, конкретно, заветной цели. А я, жалкий отрок вселенной, поведаю правдивые истории вчера, сегодня и завтра моего родного полуострова. А тот кто,внимательно, прочтет сможет понять все взаимосвязи, якобы, не связанных промеж собой событий...
Когда я еще был мелким засранцем,как справедливо заметили выше, состоялось событие в рок музыке,которое еще ни что не затмило и уверен уже и не затмит.
Вудстокская ярмарка музыки и искусств Woodstock Music & Art Fair это самый знаменитый рок-фестиваль всех времен и народов, прошедший с 15 по 18 августа 1969 года на одной из ферм городка в сельской местности Бетел штат Нью-Йорк, США. Событие посетило около 500 тысяч людей, а среди выступавших были такие исполнители, как The Who, Jefferson Airplane, Дженис Джоплин, Creedence Clearwater Revival, Джоан Баэз, Джими Хендрикс, Grateful Dead, Рави Шанкар, Карлос Сантана и многие другие. Во время проведения фестиваля умерло 3 человека: один от передозировки героина, второй был сбит трактором, третий упал с высоких конструкций; произошло 2 неподтверждённых рождения ребёнка. В 1970 году был выпущен документальный фильм «Вудсток. Три дня мира и музыки», получивший в 1971 году «Оскар». Вудсток стал символом конца «эры хиппи» и начала сексуальной революции.
Вудсток был инициирован благодаря усилиям Майкла Лэнга, Джона Робертса, Джоэла Розенмана и Арти Корнфельда. Робертс и Розенман профинансировали проект, а Лэнг уже имел опыт в качестве промоутера: в мае 1968 года он организовал Майамский поп-фестиваль, который на то время являлся крупнейшим фестивалем на Восточном побережье США — его посетило около 40 тысяч людей.
Робертс и Розенман, под именем «Challenge International, Ltd.», разместили объявление в The New York Times и The Wall Street Journal: «Молодые люди с неограниченным капиталом ищут интересные, законные инвестиционные возможности и бизнес-предложения». Лэнг и Корнфельд заметили объявление, и четвёрка вскоре встретилась для обсуждения идеи создания звукозаписывающей студии в Вудстоке, Нью-Йорк, которая переросла в открытый фестиваль музыки и искусства. Однако все четверо имели различия в подходе: Робертс был дисциплинированным и знал, что было необходимо для успеха мероприятия, тогда как отрешённый Лэнг видел Вудсток как новый, расслабляющий способ для собрания антрепренеров. Некоторое время, Робертс колебался между тем, стоит ли выйти из игры или продолжить финансирование проекта, в итоге выбрав последнее.
В апреле 1969 года, рок-группа Creedence Clearwater Revival стала первой, которая подписала контракт на выступление, согласившись выступить за 10 тысяч долларов. До этого момента, промоутеры испытывали сложности, так как никто из «звёзд» не решался объявить об участии. Дуг Клиффорд, ударник Creedence, позже сказал: «Как только согласились Creedence, каждый стал в очередь и пришли все остальные известные исполнители». Группа оказались в числе хедлайнеров, но из-за того, что Grateful Dead не уложились в отведённое для них время, Creedence вышли на сцену около полуночи, когда большинство зрителей уже спали. Это выступление, по настоянию фронтмена Джона Фогерти, не было включено ни в фильм, ни в саундтрек, а участники Creedence выразили не лучшие впечатления по поводу своего участия на прославленном фестивале. Изначально, фестиваль планировалась провести в городе Вудсток, однако не найдя там подходящего места, весной 1969 года организаторы арендовали 120-гектарный парк «Миллз» в Уоллкилле . Несмотря на то что властей Уоллкилла уверили в том, что посетителей будет не более 50 тысяч, они тотчас же отказали, а в начале июля ввели закон, который требовал разрешение на любые собрания более 5 тысяч людей. 15 июля власти Уоллкилла официально запретили проведение фестиваля, обосновывая своё решение тем, что установка туалетных кабинок не согласуется с моральными принципами города.
Эллиот Тайбер в своей книге «Штурмуя Вудсток» утверждает, что он предложил провести фестиваль на 6 гектарах своей прилагающейся к мотелю земли в городе Бетел, так как владел нужным разрешением. Кроме этого, Тайбер заявил, что именно он познакомил организаторов с фермером Максом Ясгуром. Лэнг, однако, отрицает заявление Тайбера, говоря, что тот лишь познакомил его с риэлтором, который отвёз Лэнга на ферму Ясгура без сопровождения Тайбера. Сэм Ясгур, сын Макса, подтвердил слова Лэнга. Земля Ясгура представляла по форме чашу, спускающуюся к пруду Филиппини на северной стороне. Сцена была установлена в нижней части холма на фоне пруда, который во время проведения фестиваля стал местом для купания нагишом.
Как и в случае с Уоллкиллом, организаторы заверили властей Бетела в том, что посетителей будет не более 50 тысяч. Несмотря на протесты жителей города, которые вывешивали плакаты, гласящие: «Не покупайте молоко. Остановите хипповский музыкальный фестиваль Макса», бетелские адвокат Фредерик Шадт и строительный инспектор Дональд Кларк одобрили разрешения. Тем не менее, городской совет отказался официально выдать эти разрешения.
В связи с поздним изменением места проведения, у организаторов оставалось мало времени для подготовки. На встрече за три дня до начала фестиваля организаторы решили, что у них есть два пути: либо улучшить ограждения и охрану, что могло привести к беспорядкам, либо вложить все оставшиеся ресурсы в завершение постройки сцены, что будет выгодней для них самих. И поскольку посетителей прибыло намного больше, чем предполагалось ранее, в ночь перед началом фестиваля ограждения были убраны.
Наплыв посетителей к месту проведения фестиваля вызвал большие пробки на дорогах. Люди оставляли свои машины и шли пешком несколько километров, чтобы поучаствовать в Вудстоке. В сообщениях на радиостанциях WNEW-FM в Манхеттене и в телерепортажах людей отговаривали от посещения фестиваля. Арло Гатри, во время своего получасового сета в первый день, сказал шутливо: «Нью-йоркская автострада закрыта, чувак! Слишком много фриков!». Вдобавок к трудностям из-за большого количества людей, прошедший дождь размыл дороги и поля. У большинства посетителей не было возможности воспользоваться санитарными услугами и первой помощью; сотни тысяч людей столкнулись с плохой погодой, нехваткой продуктов питания и антисанитарией. Воскресным утром 17 августа нью-йорский губернатор Нельсон Рокфеллер позвонил Джону Робертсу, одному из организаторов фестиваля, и сказал о своих планах отослать на место фестиваля 10 тысяч сотрудников нью-йорской полиции. Однако Робертс убедил Рокфеллера не делать этого. Тем временем, в округе Салливан было объявлено чрезвычайное положение.
Фестиваль должны были открыть Sweetwater в 16:00, но из-за того что группа застряла в пробке, день начался с Ричи Хейвенса на час позже планируемого. Кроме своих песен, Хейвенс исполнил несколько кавер-версий песен The Beatles, а закончил своё выступление сымпровизированной композицией «Freedom», основой для которой послужил спиричуэлс «Sometimes I Feel Like a Motherless Child». Перед выходом Sweetwater Свами Сатчидананда, индийский гуру и йогин, произнёс небольшую речь, которая впоследствии была включена в документальный фильм о фестивале. Сразу после выступления Тима Хардина начался дождь. Рави Шанкар, не обращая внимания на испортившуюся погоду, выступил с тремя песнями. The Incredible String Band, которые должны были выступить после Шанкара, отказались играть из-за всё ещё продолжающегося дождя, поэтому сцену заняла фолк-певица Мелани, исполнившая 25-минутный акустический сет, включающий в себя кавер-версию песни Боба Дилана «Mr. Tambourine Man». Во время её исполнения люди стали зажигать свечи, что вдохновило певицу на написание хита «Lay Down (Candles in the Rain)», который вышел годом спустя. Джоан Баэз, которая до выхода на главную сцену сыграла небольшой сет на «свободной сцене» и была в то время на шестом месяце беременности, закрыла своим выступлением первый день фестиваля. В середине выступления к Баэз присоединился Джефри Шертлефф, вместе с которым она исполнила несколько композиций, включая песню The Byrds «Drug Store Truck Drivin' Man», которую Шертлефф посвятил Рональду Рейгану, на то время являвшемуся Губернатором Калифорнии. Также во время выступления Баэз рассказала историю об аресте её мужа Дэвида Харриса. После того, как она окончила свой сет, дождь усилился.
Второй день начался около полудня с малоизвестной бостонской рок-группы Quill, которая закрыла свой 45-минутный сет песней «Waitin' for You», во время исполнения которой участники коллектива стали бросать зрителям различные перкуссионные инструменты для аккомпанирования. Кантри Джо Макдональд, фронтмен Country Joe and the Fish, которая должна была выступить последующим днём, сыграл получасовой акустический сет. Он вспоминает: «Там было слишком много людей. Я был испуган. Они нашли гитару, Yamaha FG-150, я прикрепил к ней верёвку и они вытолкнули меня на сцену». Во время исполнения последней песни, «I-Feel-Like-I'm-Fixin'-to-Die Rag», Кантри Джо убедил людей подпевать ему, сказав: «Я не знаю, как вы собираетесь когда-либо остановить войну, если не можете петь лучше. Вас, ублюдков, там около 300 тысяч, я хочу, чтобы вы начали петь, ну же!». Музыкант ушёл со сцены под громкие аплодисменты и выкрики «бис». Сантана и его одноименная группа, выпустившая свой дебютный альбом тем же августом, были относительно мало известны публике. Однако группа выступила настолько хорошо, что их исполнение песни «Soul Sacrifice» вошло в документальный фильм о Вудстоке. Джон Себастьян, начавший сольную карьеру после распада своей группы The Lovin' Spoonful в начале 1969 года, как и Кантри Джо, не присутствовал в списке исполнителей.
« …Я отправился на Вудсток как зритель. Я не появился там с роуд-менеджером и несколькими гитарами. Так получилось, что многие мои друзья были музыкантами и я попал за сцену. Возник такой момент, когда сцена была мокрой от воды, и поэтому было невозможно подключить электроинструменты. Тогда Чип Монк сказал мне: «Слушай, нам нужно, чтобы кто-то вышел на сцену с акустической гитарой и придержал публику, пока мы очистим сцену от воды и высушим её. Выбрали тебя». Так что я взял гитару у Тимми Хардина и вышел. Джон Себастьян » Себастьян исполнил короткий сет, состоящий из пяти песен, закончив на композиции The Lovin' Spoonful «Younger Generation», которую он посвятил ребёнку, родившемуся на фестивале. The Incredible String Band, из-за дождя отказавшиеся играть в пятницу, сыграли в субботу, представив публике свой психоделический фолк. После блюзового буги-рока Canned Heat, на сцену поднялась хард-рок-группа Лесли Уэста Mountain, для которой появление на фестивале было лишь четвёртым концертом. Выступление Grateful Dead было омрачено техническими проблемами. После «Mama Tried» и короткого фальстарта «High Time», последовала долгая пауза, сопровождавшаяся раздосадованными выкриками зрителей.
« С подготовкой нашей аппаратуры вышла задержка. Мы тогда ничего не могли поделать, у нашего звукорежиссёра заклинило мозги. Он выпустил нас с опозданием часа на три, а когда мы начали выступать, оказалось, что у нашей аппаратуры нет заземления. Боб Уэйр, участник Grateful Dead » На протяжении всего выступления, участников группы постоянно било током, а Джерри Гарсия впоследствии заявил, что «из гитар вылетали синие искры. Мы сыграли ужасно». Из-за того, что Grateful Dead не уложились в отведенное для них время, Creedence Clearwater Revival начали около полуночи, когда большинство зрителей уже спали.
« …Первой моей мыслью было: ого! — придётся выступать за группой, которой удалось усыпить полмиллиона человек! Что ж, я играю, я кричу, через три песни вглядываюсь в пространство за юпитерами — три ряда переплетенных тел: все спят. Обдолбились и заснули… Как бы мы ни старались, полмиллиона находились в отключке. Это напоминало сцену из Данте: в преисподней полмиллиона сцепившихся тел, дрыхнут в грязи. А потом наступил момент, который остался в памяти моей на всю жизнь. Где-то за четверть мили от нас, на другой стороне поля, парень чиркает зажигалкой и я слышу в ночи: «Не беспокойся, Джон! Мы с вами!». Остаток шоу я отыграл для этого парня. Джон Фогерти, фронтмен Creedence Clearwater Revival » По мнению Стю Кука, бас-гитариста Creedence, сет группы был классическим: «Мне очень жаль, что многие люди даже не знают, что мы были в числе хедлайнеров». Фогерти впоследствии с сарказмом отзывался как и о самом мероприятии, так и обо всём, что ему сопутствовало: «Поколение Вудстока? — о да, класс. Пятидесятимильная автомобильная пробка. Ни еды, ни воды, ни крыши над головой, негде спать. Льет дождь, все спят в грязи. “Мужик, это было классно! Какой пати! Кого, спрашиваешь, я видел прошлой ночью? Так я же обдолбаный был, — забыл, кого”».
Sly & the Family Stone, несмотря на то, что вышли на сцену около 3:30 ночи, исполнили свежий и мощный сет, а само выступление расценивают как одно из их лучших. The Who, из-за разногласий с организаторами по вопросу оплаты, не поднимались на сцену до пяти утра. Одно из самых запоминающихся исполнений The Who было исполнение песни «See Me, Feel Me»: солнце взошло в тот же момент, когда солист Роджер Долтри начал петь. Также, во время нахождения группы на сцене произошёл небезызвестный инцидент: политический активист Эбби Хоффман, воспользовавшись кратким перерывом в выступлении, выкрикнул в микрофон: «Что, мы так и будем сидеть и слушать это пока Джон Синклер гниет в тюрьме?», но был выдворен со сцены лидером группы, Питом Таунсендом. Выйдя «на бис» The Who исполнили «My Generation», которую Таунсенд представил как «песню о тебе и обо мне», за которой последовала инструментальная версия «Naked Eye», после исполнения которой группа удалилась со сцены. Выступление поспособствовало становлению The Who как суперзвёзд и помог их альбому Tommy стать мультиплатиновым. Jefferson Airplane, которые закрыли второй день, поднялись на сцену лишь около 7:30 утра в воскресенье, вместо 10 часов вечера в субботу. Вокалистка Грейс Слик представила коллектив словами: «Вы увидели тяжёлые группы, теперь вы увидите утреннюю маниакальную музыку, поверьте мне. Это новый рассвет». В сет группы вошли такие хиты, как «Somebody to Love» и «White Rabbit».
Джо Кокер был первым исполнителем последнего официально объявленного дня (воскресенья); он открыл день в 14:00. Дневные события сдвинули расписание на 9 часов. После захода солнца фестиваль продолжался, к сожалению для тех, кто вынужден был уйти, возвращаясь к рабочей неделе. До выхода Кокера на сцену, Макс Ясгур, владелец фермы на территории которой проходил фестиваль, сказал: «Я фермер, я не умею выступать перед зрителями, перед таким большим собранием людей, как это. Это самая большая группа людей, когда-либо собиравшихся в одном месте. Но кроме этого, важная вещь, которую вы доказали миру — это то, что полмиллиона детей — и я называю вас детьми, потому что у меня есть дети, которые старше, чем вы — полмиллиона молодежи может собраться и иметь три дня веселья и музыки, и не иметь ничего кроме веселья и музыки, и благослови вас Бог за это!». Кокер начал свой сет с песни «Dear Landlord», которую посвятил Ясгуру, и закончил кавер-версией песни The Beatles «With a Little Help from My Friends», исполнение которой вошло в документальный фильм о Вудстоке. Сразу после выступления Кокера гроза прервала действие фестиваля на несколько часов.
После окончания грозы на сцену вышла группа Country Joe and the Fish, которая окончила своё выступление песней «I-Feel-Like-I'm-Fixin'-to-Die Rag», исполненную днём раннее лидером группы Кантри Джо Макдональдом. Перед выходом на сцену Ten Years After, группу предостерегли о том, что существует риск быть ударенным током, на что фронтмен Элвин Ли ответил: «Ну и ладно. Если меня ударит током на Вудстоке, мы продадим много записей». Из-за прошедшего дождя у группы возникли проблемы с инструментами (особенно с гитарой), которые быстро вышли из строя. Это привело к некоторым незапланированным паузам для повторной настройки. Кроме оборудования, возникли проблемы со звукозаписью, а кинооператоры были готовы только к последней песне. Тем не менее, почти 12-минутный номер «на бис» «I'm Going Home», продемонстрировал силу Ten Years After, и особенно, виртуозность гитариста Элвина Ли. Однако их выступление не лучшим образом отобразилось в будущем, так как по словам Ли: «(Ten Years After) были другой группой до Вудстока. Тогда у нас были почтительные зрители, которые ценили джемы и свинги. Но после Вудстока зрители стали очень шумными и лишь хотели услышать вещи типа “I'm Going Home”». Джонни Винтер преодолел полночь с восемью песнями, пригласив своего брата Эдгара для исполнения трёх песен, после чего закрыл свой сет рок-н-ролльной классикой «Johnny B. Goode». Crosby, Stills, Nash and Young начали около трёх утра с раздельными акустическим и электро-сетами. Для группы это был лишь второй концерт, и перед началом выступления участник группы, Стивен Стилз, прокомментировал: «Это второй раз когда мы играем перед публикой, чувак. Мы чертовски испуганы». Нил Янг присоединился к ним в середине акустического сета.
Джими Хендрикс, вместе со своей новой группой Gypsy Sun and Rainbows, должен был закрыть фестиваль в полночь, однако, вследствие различных задержек, он поднялся на сцену только в девять утра понедельника. Толпа, в разгар фестиваля достигавшая численности более 500 тысяч, сократилась до 35, когда началось его выступление. Хендрикс выступил с огромной отдачей, ближе к концу выступления сыграв на гитаре альтернативную версию Гимна США. Вьетнамская война была в разгаре, и звуковые эффекты, извлекаемые Хендриксом, вызывали параллели со звуками насилия конфликта. Его сет продолжался два часа — один из длиннейших в его карьере — и включал восемнадцать песен (включая импровизацию), завершаясь на «Hey Joe»; по иронии судьбы, он стал одним из самых фотогеничных и талантливых исполнителей фестиваля, но играл перед практически пустым полем.
Список исполнителей Пятница, 15 августа — суббота, 16 августа
Суббота, 16 августа — воскресенье, 17 августа Quill Кантри Джо Макдональд Santana Джон Себастьян Keef Hartley Band The Incredible String Band Canned Heat Mountain Grateful Dead Creedence Clearwater Revival Дженис Джоплин Sly & the Family Stone The Who Jefferson Airplane
Воскресенье, 17 августа — понедельник, 18 августа Джо Кокер и The Grease Band Country Joe and the Fish Ten Years After The Band Джонни Винтер Blood, Sweat & Tears Crosby, Stills, Nash and Young Paul Butterfield Blues Band Sha-Na-Na Джими Хендрикс
Отменённые и несостоявшиеся выступления Промоутеры связались с Джоном Ленноном, попросив выступить The Beatles, но Леннон отказал. В любом случае, группа была на грани распада и кроме этого, они не дали ни одного концерта с августа 1966 (не включая их импровизированный «концерт на крыше» 30 января 1969 года). В документальном фильме «Антология The Beatles» Джордж Харрисон заявил, что присутствовал на фестивале.
Jeff Beck Group распалась накануне Вудстока, несмотря на то, что должна была сыграть на фестивале. За несколько дней до фестиваля Ники Хопкинс покинул группу и остальные участники решили не продолжать без него. Однако Хопкинс в конце концов сыграл на Вудстоке с Jefferson Airplane.
The Doors рассматривались как потенциальные участники, но отмена произошла в последний момент. По словам гитариста Робби Кригера, они отказались потому, что посчитали, что это будет «второклассным повторением Монтерейского поп-фестиваля», и позже он выразил сожаление из-за того, что они отказались играть. Однако Джон Денсмор, ударник The Doors, всё-таки полетел, чтобы «застать» фестиваль. В своей автобиографии он вспоминал: «Проходя на край сцены, я украдкой глянул на аудиторию. Это было что-то! Море лиц, венчающее вершину холма, расположенного примерно в четверти мили. Крупнейший из когда либо забабаханных концертов, а The Doors не играли! Что ж, ладно. Зато я там был».
Led Zeppelin также было предложено сыграть. Их менеджер Питер Грант сказал позже: «Нам было предложено сыграть на Вудстоке и Atlantic Records были очень заинтересованы, а также наш американский промоутер, Фрэнк Барсалона. Я сказал нет, потому что на Вудстоке мы были бы просто очередной группой в списке».
The Byrds отказались играть, полагая, что Вудсток не будет отличаться от любого другого фестиваля тем летом. Существовали также опасения по поводу гонорара. Бас-гитарист Джон Йорк вспоминал: «Мы летели на концерт и Роджер (МакГвин) подошёл к нам и сказал, что какой-то парень организует фестиваль в северной части штата Нью-Йорк. Но тогда они не платили всем группам. Он спросил нас, хотим ли мы сыграть, и мы сказали: “Нет”. У нас не было ни малейшего понятия, чем это станет. Мы устали от фестивалей. Так что группа разом сказала: “Нет, мы хотим отдыха”, и пропустила лучший фестиваль из всех».
Chicago, на тот момент всё ещё известные под названием Chicago Transit Authority, изначально согласились сыграть, однако, у них был контракт с концертным промоутером Биллом Грэхемом, который позволял ему перенести выступления Chicago в Fillmore West. Грэхем перенёс некоторые из их запланированных до 17 августа концертов, тем самым не позволив группе выступить на Вудстоке. Поступок объясняется тем, что Грэхем хотел увериться в том, что Сантана, которого он продюсировал в то время, выступит на фестивале. Питер Сетера, бывший вокалист и бас-гитарист Chicago, сказал: «Мы были злы на него за то, что он отменил выступление на фестивале».
Tommy James & the Shondells также отклонили приглашение играть. Вокалист Томми Джеймс сказал позже: «Мы были на Гавайях, и мой секретарь позвонил и сказал: “Да, слушай, есть эта свиноферма в северной части штата Нью-Йорк, они хотят чтобы вы играли в поле”. Вот как это было донесено мне. Так что мы отказались, и несколькими днями позже поняли, что пропустили».
The Moody Blues были в списке исполнителей на оригинальном постере к фестивалю, но группа отказалась от участия так как должна была сыграть в Париже в те выходные.
Фрэнк Заппа и его группа The Mothers of Invention отказались от участия. Заппа прокомментировал, что «там было много грязи, и мы отказались».
Love отказались сыграть, причиной чему служили внутренние разногласия в группе.
Free были приглашены сыграть, однако те отказались.
Mind Garage отказались от участия, посчитав, что фестиваль будет небольшим.
Spirit отклонили приглашение сыграть, так как у них уже были запланированные концерты и они хотели сыграть их вместо Вудстока, не зная, насколько большим будет фестиваль.
Procol Harum отказались от участия, так как фестиваль пришёлся на конец их длинного тура, и к тому же, у гитариста группы Робина Троуэра родился ребёнок.
Jethro Tull отказались играть, и Ян Андерсон заявил позже, что «не хотел тратить свои выходные в поле с немытыми хиппи».
Iron Butterfly были приглашены на фестиваль, но выступление пришлось отменить. Рон Буши, ударник Iron Butterfly, так вспоминал это: «Мы были в Нью-Йорке в отеле Americana, ждали и ждали. Наш полуприцеп со всем нашим оборудованием был на стоянке, но мы не могли добраться по этому маленькому шоссе до Вудстока. Так что мы поговорили с The Who и они сказали, что мы можем использовать их оборудование. Но все вертолёты были расхватаны, а они были единственным способом для нас добраться туда. Мы должны были играть в последний день, но мы не могли добраться туда. Мы спускались к порту три раза и ждали вертолет, но он так и не появился. Тогда для нас это был обычный открытый фестиваль. Он бы изменил нашу карьеру, это точно».
Боб Дилан собирался выступить, но его сын внезапно заболел и был госпитализирован, в связи с этим участие в фестивале пришлось отменить.
Джони Митчелл первоначально должна была сыграть на фестивале, но выступление было отменено по настоянию её менеджера, чтобы не пропустить появление на «Шоу Дика Каветта».
Lighthouse также отклонили предложение сыграть на фестивале.
Майкл Ланг, один из промоутеров фестиваля, попросил Роя Роджерса закрыть Вудсток песней «Happy Trails», но тот отказался.
Во время начала фестиваля, СМИ акцентировались на проблемах: заголовки на первой странице Daily News сообщали о «больших пробках на хиппифесте» и «хиппи, погрязших в море грязи». К концу Вудстока обзоры стали более позитивными, в частности потому, что родители посетителей фестиваля обратились к таблоидам и, основываясь на телефонных звонках своих детей, сказали, что заявления прессы крайне неправдивы.
The New York Times осветили прелюдию к фестивалю и переход из Уоллкилла в Бетел. Барнард Кольер, который вёл репортаж для The New York Times прямо с Вудстока, утверждает, что редакторы газеты оказывали на него давление, чтобы он написал ложно-негативную статью о фестивале, что привело к жёстким разговорам и отказе Кольера писать статью, пока Джеймс Рестон, главный редактор газеты, не позволит ему написать правду. Хоть и в окончательной статье всё же обсуждались проблемы пробок и незначительных нарушений закона, большая её часть делала упор на взаимодействие, щедрость и добродушие публики. Когда фестиваль завершился, Кольер написал ещё одну статью об уходе посетителей с места его проведения и отсутствии насилия. В статье также были процитированы главный врач фестиваля и несколько местных жителей, восхваляющие посетителей.
Вы только представьте себе чтобы выступили еще и те кто по разным причинам пропустил фестиваль(вот больфаны)!!! Тогда это было бы мероприятие уже чисто планетарного масштаба и наверняка бы талерки с пришельцами навсегда остались на планете Земля в плену...у нашего восхитительного рока,блюза,сол а.джаза,попа... Меня поймут, все те, кто просекает фишку...
В 2019 году исполняется 50 лет Woodstock-интересно как это пройдет. Вот было бы здорово если бы живые его участники собрались там и спели,я бы помчался слушать,если дожил бы. Не все ушли из жизни,а вот последним и причем совсем недавно умер Джо Кокер...земля ему пухом. Но вот мой любимый Сarlos Santana,Joan Baez еще поют как соловьи и кое кто еще о ком сказать низя,хи,хи...
У вас нет необходимых прав для просмотра вложений в этом сообщении.
Woodstock. 3 Days of Peace & Music - документальный фильм. Премия «Оскар».
Режиссёр фильма Michael Wadleigh, среди команды монтажеров был известный режиссёр Мартин Скорсезе. Права на фильм были выкуплены за 600000 долларов компанией Warner Brothers. Прибыль от проката фильма только в США составила более 50 миллионов долларов. За три дня съемок было отснято около 120 миль киноплёнки, из которых был смонтирован официальный 184-минутный фильм. Существует режиссёрская 225-минутная версия фильма («The Official Director’s Cut»). Фильм повествует о знаменитом фестивале в Вудстоке в 1969 году. В этой работе не просто запечатлены выступления популярных исполнителей своего времени, но и создан уникальный портрет поколения шестидесятых годов в Америке.
Выступления многих интересных исполнителей не попали в фильм. К примеру, не включено выступление под дождем Рави Шанкара, нет The Grateful Dead, Incredible String Band, Creedence Clearwater Revival, Джонни Винтера и других. Фрагменты фильма были использованы в фантастическом фильме Бориса Сэгала «Человек Омега» 1971 года с Чарлтоном Хестоном в главной роли. Герой Хестона в постапокалиптическом Лос-Анджелесе идет в кинотеатр на «Вудсток». Показаны фрагменты выступлений Arlo Guthrie, Country Joe & The Fish, а также неизвестного хиппи.
В американском прокате фильму была присвоена категория R, так как в фильме показаны наркотики, обнаженные люди и присутствует ненормативная лексика, хотя сам фестиваль был всевозрастным. Впоследствии Мартин Скорсезе снял свой собственный документальный фильм на музыкальную тематику — концерт The Band «The Last Waltz» и «The Rolling Stones. Да будет свет».
Поскольку в фильме демонстрировались обнаженные тела, использование наркотиков и употреблялась ненормативная лексика, Американская ассоциация художественных фильмов (ААХФ) отнесла «Вудсток» к категории «X» (допускаются взрослые старше 18 лет). Когда в городе Кеноши, штат Висконсин, двое взрослых привели в кинотеатр своих детей и их друзей, которым ещё не было 18, на показ фильма «Вудсток» их не допустили. Законодательство города особо запрещало просмотр несовершеннолетними фильмов, которым ААХФ присвоила класс «X» или «R». Взрослые от своего лица подали иск в федеральный окружной суд с требованием ограничить действие закона, поскольку он нарушает право детей на свободу творчества. Суд выдал судебный запрет и постановил, что «этот закон может расцениваться как неконституционный предварительный запрет на творчество, поскольку не соответствует требованию, согласно которому городские власти обязаны обратиться непосредственно в суд и доказать, что фильм не должны смотреть несовершеннолетние».
Документальный фильм к 30 летию
У вас нет необходимых прав для просмотра вложений в этом сообщении.
Вот ушел из жизни еще один любимый певец многих людей во всем мире,в нашей стране он хорошо известен и любим большинством женщин,да и мужчинами, наверняка тоже. Я познакомился с его песнями еще в начале 70-х,обожал альбом It’s Five O’Clock (1969) и до сих пор слушаю его с большим удовольствием.
Последнее прощание с великим певцом Демисом Руссосом состоялось в присутствии родственников, друзей, коллег и поклонников на первом кладбище Афин. Исполнитель многих известнейших музыкальных хитов, продавший более 60 миллионов альбомов по всему миру, умер в возрасте 69 лет, утром в восекресенье, 25 Января, в больнице «Здоровье» после длительной госпитализации.
Этот человек прославился и в международной прессе, не только благодаря своей работе, но и своей личности, заявляя в интервью следующее: «Если ты грек, тебе не надо иметь данные, чтобы гордиться. Ты горд. Мы благословленная нация».
Известный композитор Йоргос Хаджинасиос сделал следующее заявление: «Демис был уникальным, непревзойденным, я бы сказал, голосом и очень счастливым человеком. Я чувствую, что Демис никогда не вырос и сохранил свою детскую невинность. Мы встретились подростками, вскоре после того, как он приехал из Египта, и мы играли вместе, он играл на басе, я- на фортепиано, Вангелис — на барабанах, а Спанудакис — на гитаре». «Мы гордимся тем, что он был греком,» — сказал Лакис Пападопулос, говоря о великой потере.
«Нас оставил великий греческий артист, посол Греции, где бы он ни был, где бы ни находился. Особый артист, которым я восхищаюсь за уникальность его голоса и творческое вдохновение. Демис ушел, однако, с горечью о своей Родине Греции, которая не удостоила его той чести, которой он заслуживал», -сказал певец Пасхалис.
Среди тех, кто присутствовал на похоронах певца, были Никос Алиагас, Марица Кох, Димитрис Йатропулос и представители политики, например, Терренс Куик, заместитель госсекретаря по координации государственных проектов, уходящий в отставку председатель Парламента Вангелис Меймаракис, мэр Марафона Элиас Псинакис.
Венки в память о Демисе Руссосе отправили посол Египта, посольство Франции, Вангелис Папафанасиу, Нана Мускури, мэр Афин Йоргос Каминис, Зои Константинопулу и звукозаписывающая компания Минос- Эми.
Вместо венков семья Демиса Руссоса попросила отдать деньги в поддержку детей, больных раком, и их семей.
У вас нет необходимых прав для просмотра вложений в этом сообщении.
